venerdì 1
(In)visibile italiano: la regia è finita
Verso la fine degli anni Settanta il cinema italiano da un punto di vista industriale non esiste già più. Anche la cosiddetta stagione del cinema d’autore sembra avviarsi a un tramonto sempre più autoreferenziale e sterile. Registi che si credono già autori con una rivoluzione recente alle spalle (il ’68), in un clima di anni di piombo, (di)sperano ancora. Tre film che raccontano il cinema e la sua decadenza. Dal di dentro. La regia è finita (1977) è la pellicola che aliena definitivamente il mondo dei produttori e dei distributori. Amasi Damiani è, non a caso, uno dei cineasti dalla filmografia pressoché invisibile, ovvero film realizzati ma quasi mai distribuiti. La regia è finita è un violento e durissimo sfogo attraverso le vicende di un regista impossibilitato a realizzare il suo film d’autore: la storia di una suora che intende punirsi perché crede di essersi innamorata di un’icona. Da notare che Damiani opera una sorta di remake del suo primo film I nuvoloni (1959), in cui negli anni della dolce vita un giovane regista livornese arrivava a Roma per tentare di coronare il suo sogno, raccontando appunto la vicenda inattuale di questa religiosa. Ma se nell’opera d’esordio il baratto e il compromesso erano ancora abbastanza nobili (farne di quel soggetto un film di cappa e spada), alla fine degli anni Settanta l’unica speranza di fare cinema è quello delle luci rosse. Una sorte ancora più cupa tocca il documentarista Valerio che dopo lunghi viaggi di lavoro ad Hong Kong si accorge che la sua vita ha ormai poco senso: una moglie che gli rimprovera di non essere arrivato al successo, mentre il figlio adolescente è ormai poco più che un estraneo: Un uomo da nulla (1976), opera prima di Renata Amato, figlia del grande produttore Peppino Amato. Film presentato al Festival di Taormina, ma di limitatissima distribuzione, Un uomo da nulla ha il grande merito di fotografare una Hong Kong antituristica, tra alberghi sontuosi e quartieri poverissimi, costituiti da baracche e capanne abitate da cinesi clandestini. Ciak, si muore! (1974) di Mario Moroni rientra invece nel cinema di genere: mentre si sta girando uno sgangherato film del terrore vengono uccisi, ad uno ad uno, attrici e tecnici della pellicola in questione. Quale metafora migliore per raccontare con suspense la fine di un mondo?

ore 17.00 
La regia è finita (1977)
Regia: Amasi Damiani; soggetto e sceneggiatura: A. Damiani; musica: Nedo Benvenuti; montaggio: Giuliano Mattioli; interpreti: Susanna Martinkova, Aldo Masasso, Greta Vayan, Marina Lotar, Laura Ambesi, Valeria Ciangottini; origine: Italia; produzione: Lenadria Film; durata: 98’
«Uno dei tanti misteri della filmografia di Amasi Damiani, mai uscito in sala e scomparso da allora. […]Tanta la materia autobiografica […]di cui si ciba il film, a cominciare dal protagonista Mario Ferrari, regista non famoso, con alle spalle un paio di film di scarso successo, che porta al produttore un progetto su una suora in crisi mistica, in cambio di un lapidario rifiuto: “Nella sua sceneggiatura non si vede nemmeno un culo, e i culi sono importanti. Lei ha scritto una storia di una suora, e le suore non scopano”. Il film nasce infatti come j’accuse ideologico di Damiani nei confronti del contesto cinematografico smaccatamente commerciale in cui era costretto a operare, le cui storie ideali – citiamo dal film – erano diventate “l’incontro di due natiche e un maniaco sessuale, il tutto condito da molto sangue”. L’opposizione al cinema di consumo “laido, volgare, osceno”, passa direttamente per le maniere forti del sequestro di persona, con il regista-aspirante autore che per vendicarsi del diniego ricevuto rapisce la figlia del viscido produttore (Susanna Martinkova, con accento olandese), con l’intenzione di farle girare un film porno da far vedere a suo padre» (De Sanctis). Last but not least: Marina Lotar Frajese che “recita” in un film hard, confessandosi in voice over allo spettatore le sue afflizioni di ennesimo corpo sfruttato dal mondo dello spettacolo. 

ore 19.00 
Un uomo da nulla (1976)
Regia: Renata Amato; soggetto e sceneggiatura: R. Amato; fotografia: Aldo Di Mercantonio; scenografia e costumi: Vincenzo Medusa; musica: Ubaldo Continiello; montaggio: Carlo Valerio; interpreti: Sandro Moretti, Monica Stroebel, Cristina Huy, Domenico [Mico] Cundari, Carla Castelli, Antonio Caputo; origine: Italia; produzione: Upia Film; durata: 90’
Reduce da Hong Kong - dove Valerio si è dovuto recare per la realizzazione di un documentario – l’uomo di cinema si trova a dover affrontare una realtà fallimentare sotto tutti i punti di vista: la moglie è troppo fredda e severa ed esigerebbe il successo anche economico, il figlio, ormai sedicenne non può essere il toccasana per i problemi del padre; Christina, l'amica orientale conosciuta durante il soggiorno nella metropoli esotica, è stata una sorta di sogno ormai svanito. Il documentarista, dopo avere tentato invano di risolvere tali problemi, pensa ad un nuovo viaggio e ad un nuovo inutile tentativo di dare a se stesso una sostanza con mezzi che rimangono casuali ed esteriori. 

ore 21.00 
Ciak, si muore! (1974)
Regia: Mario Moroni; soggetto: Roberto Mauri, Liliana Pagani, Gian Pagani; sceneggiatura: R. Mauri, M. Moroni; fotografia: Giovanni Raffaldi; musica: Aldo Buonocore; montaggio: Liliana Giboni; interpreti: Giorgio Ardisson, Annabella Incontrera, Ivano Staccioli, Antonio Pierfederici, Belinda Bron, Carlo Enrici; origine: Italia; produzione: Comet Film; durata: 90’
«Una troupe cinematografica è impegnata nelle riprese di un film. Bennert, il regista, improvvisa le scene rendendo inutile l’opera dello sceneggiatore e accusandolo di essere privo di fantasia. Tre attrici, Linda, Mary e Fanny, sono successivamente trovate uccise. Dell’assassino rimane solo una misteriosa ombra fissata su alcuni fotogrammi. La polizia dà la caccia a un certo Richard Hanson uno scioperato donnaiolo, membro un tempo della troupe e licenziato a causa di Linda, la prima attrice uccisa. La soluzione arriva a sorpresa durante la ripresa dell’ultima sequenza del film, quando appaiono alcuni attori camuffati che interpretano il ruolo di rapinatori. Uno di loro è l’assassino…» (Giusy Cutrì).

sabato 2
chiuso

domenica 3
Andrea Crisanti: la scenografia come arte
Il 7 maggio è scomparso Andrea Crisanti, preside (e per moltissimi anni docente) della Scuola Nazionale di Cinema. Un maestro della scenografia, al quale il Centro Sperimentale di Cinematografia ha reso omaggio nel 2011 con una bellissima pubblicazione, Andrea Crisanti viaggio nella scenografia, a cura di Sergio Toffetti e Antonio Fabio Familiari, dalla quale ricaviamo alcune istantanee che danno la misura della sua straordinaria opera nel mondo del cinema.
«Nel mio lavoro ho sempre cercato un’aderenza, anche minima, al realismo e con Andrea sapevo che anche da un punto di vista scenografico sarei potuto andare in questa direzione; mi piacciono le scenografie di Andrea perché forzano la realtà partendo però sempre da un apparente realismo» (Marco Bellocchio).
«Nella costruzione dell’elemento scenografico poggiato sulla realtà esistente Andrea è davvero molto bravo. Ha molto rispetto per la realtà dei luoghi, anche quando la deve piegare alle esigenze del racconto cinematografico» (Francesco Rosi).
«È un maestro sia nell’adattare ambienti dal vero sia nel ricostruire in teatro» (Giuseppe Tornatore).
«I maestri dicono tante cose, per cui ti formano, però sono sempre due o tre le cose che restano fondamentali. Una sua frase [di Mario Chiari] è rimasta indelebile nella mia memoria: “Quando arriverà il regista con l’operatore e gli altri assistenti su un set che hai realizzato, un ambiente, una piazza, una strada, e si muoveranno dappertutto per cercare l’inquadratura ottimale, e infine andranno proprio dove ti sei messo tu, e diranno: “Allora, mettiamo la macchina qui”, quel giorno potrai dire di essere diventato un vero scenografo» (Crisanti).
La Cineteca Nazionale – e tutto il Centro Sperimentale di Cinematografia – ricorda Andrea Crisanti con tre film fondamentali nella sua straordinaria filmografia, costellata di nomi, incontri, collaborazioni indimenticabili (oltre ai registi citati, Gianni Amelio, Theo Angelopoulos, Michelangelo Antonioni, Mario Bava, Damiano Damiani, Eduardo De Filippo, Riccardo Freda, Emidio Greco, Nanni Loy, Ferzan Ozpetek, Andrej Tarkovskij, Paolo e Vittorio Taviani, Franco Zeffirelli).

ore 17.00
Cuore sacro (2005)
Regia: Ferzan Ozpetek; soggetto e sceneggiatura: Gianni Romoli, F. Ozpetek; fotografia: Gian Filippo Corticelli; scenografia: Andrea Crisanti; costumi: Catia Dottori; musica: Andrea Guerra; montaggio: Patrizio Marone; interpreti: Barbora Bobulova, Andrea Di Stefano, Lisa Gastoni, Massimo Poggio, Erika Blanc, Camille Dugay Comencini; origine: Italia; produzione: R&C Produzioni; durata: 119’
«Irene Ravelli ha ereditato dal padre non solo il patrimonio, ma anche uno spiccato senso degli affari. Ottenuto il dissequestro dell’antico Palazzetto di famiglia, Irene scopre che una delle stanze, abitate un tempo dalla madre, è rimasta intatta come se la donna ci abitasse ancora. Il fantasma della madre e l'incontro con una straordinaria bambina, Benny, generano in Irene un conflitto che la porta ad un totale cambiamento» (www.cinematografo.it). «Già queste scene fanno intuire quanto sia insolito, coraggioso e rischioso il nuovo film del regista della Finestra di fronte: un coraggio raro nel nostro cinema, di cui gli diamo atto con ammirazione. E tuttavia le immagini, impeccabili per grammatica e sintassi, non solo al livello di ambizioni così alte, non lasciano graffiti nella fantasia dello spettatore, stentano a dare forma al travaglio febbrile dell’imprenditrice senza scrupoli convertita in angelo della carità per vecchi e “nuovi poveri”. Qualcosa di simile accade con le citazioni disseminate lungo il film, dalla sequenza della piscina (Il bacio della pantera) al santo strip-tease d’Irene (Teorema di Pasolini, autore col quale Ozpetek condivide il bisogno di sacro); eleganti, ma più optional che necessarie. Ormai legata a filo doppio a ruoli di smarrimento interiore, Barbora Bobulova si offre in olocausto con l’opportuna dedizione» (Nepoti). «Costruii l’interno della casa di Irene, la protagonista, nel teatro 5 di Cinecittà. La costruzione, molto grande, rappresentava l’interno di un palazzo da molto tempo abbandonato, fatiscente, che nascondeva, tra le sue innumerevoli stanze e corridoi, la grande camera della madre che continuava a vivere nei ricordi. Ci ispirammo a un antico edificio romano in abbandono, usato per l’esterno del film. All’interno conservava ancora dei bellissimi affreschi, molto rovinati, nei quali apparivano, come fantasmi, figure spettrali e misteriose. Le decorazioni, anch’esse macerate dal tempo e dall’incuria, furono fonte di ispirazione per la costruzione in teatro di posa» (Crisanti). David di Donatello per la miglior scenografia.

ore 19.15
Una pura formalità (1994)
Regia: Giuseppe Tornatore; soggetto e sceneggiatura: G. Tornatore; fotografia: Blasco Giurato; scenografia: Andrea Crisanti; costumi: Beatrice Bordone; musica: Ennio Morricone; montaggio: G. Tornatore, Massimo Quaglia; interpreti: Gérard Depardieu, Roman Polanski, Sergio Rubini, Nicola Di Pinto, Paolo Lombardi, Tano Cimarosa; origine: Italia/Francia; produzione: Cecchi Gori Group - Tiger Cinematografica, Film Par Film; durata: 111’
«Durante una pioggia torrenziale, un uomo infangato ed infreddolito, trovato dalla polizia senza documenti, viene condotto in un fatiscente commissariato dove l’orologio ha le lancette spezzate e dal soffitto gocciola l’acqua, che viene raccolta con recipienti vari. Un inserviente gli offre del latte caldo ma lui glielo getta in faccia e successivamente ha un diverbio con gli agenti. Al commissario sopraggiunto dice di essere Onoff, il celebre scrittore: l’altro gli cita allora la frase di un suo romanzo, ma egli non la ricorda. Lo scrittore si cita a sua volta ed il commissario si convince, ma si stupisce di vederlo senza la folta barba e anche lo scrittore non sa spiegarsi la cosa» (www.cinematografo.it). «Se si rinuncia alla smania dell’interpretazione c’è da dire che Una pura formalità inchioda alla poltrona durante l’intera sua durata per la sagacia energica della costruzione drammatica, l’alta tenuta figurativa che ha trovato un supporto nella funzionale fotografia di Blasco Giurato, l’ammirevole concertazione degli attori. Dopo averlo visto si comprende perché Tornatore abbia voluto Roman Polanski (doppiato da Leo Gullolta nell’edizione italiana) per la parte dell’innominato commissario: in questo allucinato dramma notturno di onirismo nordico, tutto giocato sulla corda pazza dell'assurdo, Polanski era l’antagonista ideale di un Depardieu (con la voce di Corrado Pani) la cui straripante fisicità attoriale raramente era stata messa in immagini e guidata con altrettanta violenza di segno espressionista» (Morandini). «Non era facile immaginare e poi realizzare un fatiscente e antinaturalistico commissariato, pervaso da un clima di mistero e di kafkiana natura, senza determinazioni nazionali né regionali, salvo alludere – ma restando sempre nell’indefinito – a una collocazione che più che “fuori città” si può definire meglio come “lontano dalla civiltà”. E salvo scoprire, a poco a poco, che potrebbe essere una sorta di anticamera dell’aldilà, un luogo da interrogatorio per anime dannate dal suicidio. […] Ho sempre pensato, infatti, che Una pura formalità sia il suo film migliore» (Crisanti). David di Donatello per la miglior scenografia.

ore 21.15
Giù la testa (1971)
Regia: Sergio Leone; soggetto: S. Leone, Sergio Donati; sceneggiatura: Luciano Vicenzoni, S. Leone, S. Donati; fotografia: Giuseppe Ruzzolini, Franco Delli Colli (per la seconda unità); scenografia: Andrea Crisanti; costumi: Franco Carretti; musica: Ennio Morricone; montaggio: Nino Baragli; interpreti: James Coburn, Romolo Valli, Rick Battaglia, Maria Monti, Franco Graziosi, Domingo Antoine; origine: Italia; produzione: Rafran Cinematografica, Euro International Films, Miura Cinematografica; durata: 157’
«L’ultimo western diretto da Sergio Leone, anzi, come diceva lo stesso regista “più correttamente è un avventuroso ambientato all’epoca della rivoluzione messicana”. Anche se non è il film più amato dai suoi fans, e neanche quello considerato generalmente più riuscito dalla critica, rimane un film controverso un po’ per tutti, a cominciare dal regista. “È un film che non so collocare bene. Lo amo immensamente, perché è quello che mi ha dato più angoscia, dubbi, disperazione. A un certo punto, ero quasi tentato di abbandonarlo, e devo a mia moglie se ho avuto la costanza di arrivare fino in fondo”. Apre una grande citazione di Mao, del resto i tempi sono quelli, del post ’68 non solo europeo [...]. La storia si svolge durante la rivoluzione messicana del 1913. Sulla carrozza che trasporta ricchi borghesi, Juan Miranda, un bandito confusamente legato alla rivoluzione, li deruba visto che hanno parlato male dei messicani. Incrocia un terrorista dell’Ira [...], Sean Mallory detto John, e tra i due nasce una specie di società rivoluzionaria fatta di vera amicizia e dinamite ancora più vera. Assieme decidono di assaltare la banca di Mesa Verde. Ma lì non c’è più una banca, ma una prigione per politici» (Giusti). «Lo scenografo di Sergio Leone è stato sempre Carlo Simi, fin dai tempi di Per un pugno di dollari. Quando Leone mise in cantiere Giù la testa, credo che pensasse di produrre il film senza farne necessariamente la regie, e che, proprio per questo, Simi si fece coinvolgere, in quello stesso periodo, da un grosso lavoro di architettura in Spagna. Così, quando Sergio decise di fare anche la regia del film, si trovò senza il suo scenografo, e scelse me» (Crisanti).
Copia restaurata dalla Cineteca Nazionale in collaborazione con Sergio Leone Productions

lunedì 4
chiuso

martedì 5
Musicisti dello schermo: Alessandro Cicognini
“Uomo per tutte le stagioni” nel senso più felice e nobile del termine, Alessandro Cicognini (1906-1995) ha attraversato, da autentico protagonista musicale, un trentennio tra i più fecondi e variegati del cinema italiano, misurandosi da par suo con i più disparati soggetti, stili e generi: nessuno escluso, almeno tra quelli frequentati dalla nostra cinematografia pre e post-bellica. Accostatosi allo schermo nel 1936 con I due sergenti di E. Guazzoni, Cicognini se ne ritira spontaneamente nel 1965, a neppure 60 anni, licenziando musicalmente l’ennesimo, svigorito capitolo della saga di Guareschi: Il compagno don Camillo, diretto da Luigi Comencini. In mezzo, oltre cento partiture per lo schermo, tra le quali più di una pietra miliare della musica cinematografica nazionale. Eppure, a dispetto di tanti risultati importanti e dell’altissima considerazione goduta anche tra i suoi colleghi, Cicognini, dopo uno slancio iniziale venato di utopia – testimonierà a Francesco Savio che «si illudeva che il cinematografo potesse in un certo senso sostituire il melodramma» –, si mostra via via più disilluso e amareggiato circa il ruolo effettivo che la musica può svolgere nel tessuto e nell’economia espressiva del film. Fino a che – a metà anni Sessanta, come s’è detto – si ritira dal set confessando poi che «la professione di musicista cinematografico gli aveva riservato molte amarezze, che talvolta aveva “sfiorato l’infelicità”». Ma questo disincanto non è esclusivo della fase terminale della sua parabola professionale: caso forse unico nel cinema italiano, Cicognini mostra di guardare al proprio ruolo e ai propri lavori – anche i più blasonati, come La corona di ferro (1941), Ladri di biciclette (1948) o Miracolo a Milano (1951) – con senso autocritico spiccato e quasi abrasivo; come quando ammette dinanzi alle telecamere della trasmissione Colonna sonora la sostanziale incapacità, sua e d’altri colleghi, di aver pienamente compreso caratteri e portata del fenomeno neorealista. Che si sia d’accordo o meno con una così insolita inclinazione verso bilanci tanto sinceri da suonare impietosi, certo non si può non riconoscere l’unicità di Cicognini nel porsi criticamente di fronte al suo artigianato, ed è comunque impensabile liquidarne frettolosamente pagine musicali di straordinario valore come quelle che troviamo disseminate in film quali Ettore Fieramosca (1938) o Una romantica avventura (1940), o ancora Prima comunione (1950), Ulisse (1954) e Il giudizio universale (1961) con la sua surreale ninna-nanna. Quel che appare chiaro, e che l’indagine storiografica non tarderà a registrare, a ormai 50 anni dall’allontanamento di Cicognini dal set e a quasi 20 dalla sua scomparsa, è che il suo contributo al cinema italiano – per brevità citiamo solo le molte collaborazioni con Vittorio De Sica e a buona parte della produzione di Blasetti – è essenziale, e di rara qualità. Come già nel 1940 aveva ben compreso Ennio Flaiano che, recensendo Un’avventura di Salvator Rosa, sulla musica di Cicognini scrive: «Un cenno a parte merita il commento musicale, ottimo. Questo film mostra cosa si può fare in Italia quando ad una seria organizzazione si affiancano degli ingegni agili e sensibili».
Rassegna a cura di Sergio Bassetti

ore 17.00
Un’avventura di Salvator Rosa (1940)
Regia: Alessandro Blasetti; soggetto: da una trama di Ugo Scotti Berni; sceneggiatura: Corrado Pavolini, A. Blasetti, Renato Castellani; dialoghi: Giuseppe Zucca; fotografia: Vaclav Vich; scenografia: Virgilio Marchi; costumi: Gino C. Sensani; musica: Alessandro Cicognini diretta da Pietro Sassoli; montaggio: Mario Serandrei, A. Blasetti; interpreti: Gino Cervi, Luisa Ferida, Rina Morelli, Osvaldo Valenti, Ugo Ceseri, Umberto Sacripante; produzione: Stella Film; origine: Italia; durata: 97’
Napoli. La rivolta di Masaniello è fallita. Il peso della dominazione spagnola diventa ogni giorno più insopportabile. Il pittore Salvatore Rosa, conosciuto e ammirato dagli spagnoli, ha anche un’altra identità, quella di Formica, sorta di Robin Hood che si batte in favore degli oppressi e trama contro i potenti. «Un’avventura di Salvator Rosa è prodotto e distribuito nella stagione cinematografica 1939-40, quella in cui si cominciano a sentire gli effetti del R.D.L. 4 settembre 1938 n. 1398, sul “monopolio per l’acquisto, l’importazione e la distribuzione in Italia, possedimenti e colonie, dei film cinematografici provenienti dall’estero”. [...] Tuttavia, all’epoca, fu soprattutto il film di Blasetti a godere di consensi. Isani [...] lo definì addirittura “il miglior film italiano prodotto dal 1930 in poi» (Gori).
Per gentile concessione di Ripley’s Film - Ingresso gratuito 

ore 19.00
Ulisse (1954) 
Regia: Mario Camerini; soggetto: dall’Odissea di Omero; sceneggiatura: Franco Brusati, M. Camerini, Ennio De Concini, Hugh Gray, Ben Hecht, Ivo Perilli, Irwin Shaw; fotografia: Harold Rosson; scenografia: Flavio Mogherini; costumi: Giulio Coltellacci; musica: Alessandro Cicognini diretta da Franco Ferrara; montaggio: Leo Catozzo; interpreti: Kirk Douglas, Silvana Mangano, Anthony Quinn, Franco Interlenghi, Elena Zareschi, Rossana Podestà; origine: Italia; produzione: Lux Film; durata: 104’
Mentre ad Itaca Penelope tiene a bada i Proci, attendendo col figlio Telemaco il ritorno del marito, Ulisse si sveglia sulla spiaggia dell’isola dei Feaci, incontra Nausicaa e, ritrovata la memoria, rievoca le sue peripezie. Il re Alcinoo gli dà una nave per tornare ad Itaca... Alessandro Cicognini aveva uno stile che ereditava le marche espressive dell’operismo pucciniano e verdiano che si ibridava spesso con le note delle canzoni popolare italiane. 

ore 21.00
Incontro moderato da Sergio Bassetti con Manuel De Sica

a seguire
Stazione Termini (1953)
Regia: Vittorio De Sica; soggetto: Cesare Zavattini; sceneggiatura: C. Zavattini, Luigi Chiarini, Giorgio Prosperi; dialoghi inglesi: Truman Capote; fotografia: G.R. Aldo [Aldo Graziati]; scenografia: Virgilio Marchi; costumi: Alessandro Antonelli; musica: Alessandro Cicognini diretta da Franco Ferrara; montaggio: Eraldo Da Roma; interpreti: Jennifer Jones, Montgomery Clift, Gino Cervi, Paolo Stoppa, Nando Bruno, Enrico Glori; origine: Italia/Usa; produzione: Vittorio De Sica Produzioni, David O. Selznick; durata: 88’
«Maria, giovane signora americana, arriva a Roma per trascorrere un periodo di tempo con sua sorella. Ha lasciato a Philadelphia il marito e la figlioletta. Quando conosce Gianni Doria, un insegnante italiano, però, si innamora pazzamente di lui e inizia una relazione con lui. Dopo un mese, in seguito a una telefonata dall’America, Maria decide di ripartire immediatamente. Gianni la insegue e la raggiunge alla stazione, chiedendole almeno una spiegazione» (www.cinematografo.it). «In effetti, questo primo tentativo di grande cinema commerciale si configura per De Sica come un compromesso a tutti i livelli. Per i dialoghi inglesi fu chiamato a seguire il film Truman Capote e perfino per le inquadrature in primo piano di Jennifer Jones, Selznick pretese che ci fosse un operatore speciale, Oswald Morris, mentre Aldo Graziani si doveva occupare dei campi lunghi. Eppure, De Sica è riuscito lo stesso ad imprimere al film un suo tono. Intanto ha colto, di tutta la storia d’amore, il momento più significativo, più intenso, concentrando la messa in scena sulla crisi morale-affettiva prodotta dalla drammatica indecisione di Mary, giovane signora americana in viaggio in Italia, madre di una bambina e colpita dal fulmine di un amore italiano […]. Dalla parte della regia, invece, De Sica sfodera tutta la sua maestria nell’uso del tempo, in quel suo modo specifico di adeguarlo, di compenetrarlo ai fatti, anche piccoli, in modo da trasformare i personaggi in esseri viventi. Sicché, al di là delle “sciocchezze” che la signora di Filadelfia e il giovane italiano (figlio di un’americana) si dicono, resta un sentimento profondo, che scaturisce da quel tempo trascorso insieme lì nella stazione in attesa del treno. È un sentimento di speranza, di attaccamento ad una realtà sognata, una realtà che si desidera diversa e che non si trova il modo di costruire veramente» (Pecori). «Il film tutto intero è una metafora o piuttosto lo svolgimento immaginario di una realtà spirituale» (Henri Agel).
Ingresso gratuito

mercoledì 6 
Cinemafrica in Cineteca. Marocco mon amour
Per il secondo appuntamento, a cura di Maria Coletti, dedicato all’Africa e alle sue diaspore attraverso il cinema, il filo rosso è quello dell’immagine – reale o esotica – del Marocco: raccontato nelle sue mille realtà e contraddizioni, ma soprattutto guardato/agognato/reinventato da occhi italiani, tra sogni di fuga (Gabriele Salvatores), incontri inattesi (Francesco Falaschi) e la capacità di mettere in discussione ogni identità – che sia esistenziale, culturale o sessuale (Davide Sordella e Pablo Benedetti). L’estate si avvicina, e con essa la voglia di essere altrove, di viaggiare verso mete (più o meno) esotiche, almeno per noi europei che – crisi permettendo – non abbiamo bisogno di chiedere permessi di soggiorno o imbarcarci su barconi “clandestini”. Questo invito al viaggio in uno dei paesi africani più mitizzati e più cinematografici, set di innumerevoli produzioni internazionali, è un’occasione per riflettere sugli stereotipi che spesso ci portiamo dietro, dentro i nostri zaini o le nostre valigie. Prima di mettersi in cammino è bene (ri)leggere la scrittrice marocchina Fatima Mernissi e il suo Karawan. Dal deserto al web: «Oggi più che mai, la globalizzazione […] ci condanna a diventare turisti nostro malgrado e a passare buona parte della nostra vita viaggiando, per lavoro o per diletto che sia. Da qui, la necessità di chiarire a noi stessi quali regole del gioco dobbiamo applicare per non perdere l’occasione di comunicare con gli stranieri che il caso mette sulla nostra strada o, quanto meno, per renderci conto, quando non ci riusciamo, che qualcosa non funziona. […] Ma per riuscire a scovare i Cosmocivici di Marrakech, che abitano anche i sobborghi più modesti, un turista politicamente sensibile deve innanzi tutto sbarazzarsi di sette stereotipi sugli arabi in generale e sul Marocco in particolare, facendo tesoro del motto di Sindbad con cui Shahrazad apre il suo racconto nelle Mille e una notte: “Colui che vuol raggiungere un rango elevato veglia le notti. Chi cerca le perle deve tuffarsi in mare”. Stereotipo n. 1: i cambiamenti si producono più al centro che alla periferia. […] Stereotipo n. 2: l’istruito Occidente tecnologicamente avanzato è superiore a un Oriente indebolito dall’analfabetismo e fermo all’età della pietra. […] Stereotipo n. 3: i laureati producono più ricchezza degli analfabeti. […] Stereotipo n. 4: una persona è ricca se ha denaro. […] Stereotipo n. 5: il conflitto tra uomini e donne è eterno. […] Stereotipo n. 6: la biculturalità del Marocco (arabo e berbero) è uno svantaggio. […] Stereotipo n. 7: non pronunciate più la parola “berbero”, ma sostituitela con “amazigh”. […] Nel momento stesso in cui i turisti prendono il calesse per andare ad ammirare gli incantatori di serpenti a Jama’ al-fna, letteralmente “Piazza della fine del mondo”, gli abitanti di Marrakech, per quel che li riguarda, sembrano essere completamente ammaliati dalla magica idea di comunicare con il mondo intero e si precipitano negli Internet cafè per navigare nella Rete. […] Bisogna segnalarlo ai turisti che vengono a Marrakech per tuffarsi negli arcaismi: avrebbero solo da guadagnare se immaginassero una realtà multiforme, in cui i marrakshi recitano molti ruoli e si inventano molte rappresentazioni. Visitare Marrakech concedendo ai suoi abitanti la libertà di navigare nel tempo – vale a dire di celebrare il passato (musei, santuari, danze tradizionali) – e di proiettarsi contemporaneamente nel virtuale arricchirebbe il turista, sia quello nazionale che quello internazionale».

ore 17.00
Marrakech Express (1989)
Regia: Gabriele Salvatores; soggetto e sceneggiatura: Carlo Mazzacurati, Umberto Contarello, Enzo Monteleone; fotografia: Italo Petriccione; scenografia: Gabriele Serra; costumi: Francesco Panni; musica: Roberto Ciotti; montaggio: Nino Baragli; interpreti: Diego Abatantuono, Fabrizio  Bentivoglio, Cristina Marsillach, Giuseppe Cederna, Gigio Alberti, Massimo Venturiello; origine: Italia; produzione: A.M.A. Film; durata: 112’
In una sera piovosa il trentenne Marco si vede arrivare a casa una ragazza spagnola, Teresa, che gli racconta di essere la fidanzata di Rudy, un amico che non vede da dieci anni. Rudy è nei guai: si trova in Marocco, dove è stato coinvolto in una storia di droga, e ha bisogno di 30 milioni di lire. Superata la sorpresa iniziale, Marco decide di cercare gli amici di un tempo, gli unici che possono aiutarlo. Ponchia è diventato un venditore di auto usate; Cedro si è ritirato in montagna a meditare, mentre Paolino fa l’insegnante e ha sposato Elena, l’ex fidanzata di Cedro, con cui ha due bambine. I quattro decidono così di mettere insieme il denaro e partire a bordo di un’auto in direzione del Marocco, attraversando Francia, Spagna e lo Stretto di Gibilterra. A Marrakech, però, Teresa svanisce nel nulla, portando via con sé la macchina, il denaro e i loro passaporti. Quando i quattro amici scoprono che Rudy non ha mai avuto guai con la giustizia, decidono di andare alla ricerca dei due ladri. A volte, per far ritrovare amici perduti, la sorte compie strani giri... «Il successo arrivò nel 1989 con Marrakech Express (che tuttavia Salvatores aveva diretto per puro caso, dopo un litigio di Carlo Mazzacurati con il produttore); la consacrazione internazionale con Mediterraneo (anch’esso destinato inizialmente a Mazzacurati), Oscar 1992 per il miglior film straniero. Il tema prediletto dei suoi film è il viaggio, la fuga, anche se lui continua a dire che si tratta piuttosto del cambiamento (“In tutti i film che ho fatto ci sono alcuni personaggi che vivono un’esperienza eccezionale al di fuori del loro habitat naturale: questi personaggi si trovano sempre, prima o poi, a dover fare delle scelte; sempre devono perdere qualcosa per trovare qualcos’altro; sempre, alla fine, sono diversi da come erano all’inizio”)» (Iacovelli).

ore 19.00
Last minute Marocco (2007)
Regia: Francesco Falaschi; soggetto: Carla Giulia Casalini; sceneggiatura: F. Falaschi e C. G. Casalini; collaborazione alla sceneggiatura: Pierpaolo Piciarelli; fotografia: Antonello Emidi; scenografia: Tonino Zera; costumi: Grazia Materia; musica: Pivio e Aldo De Scalzi; montaggio: Claudio Di Mauro; interpreti: Valerio Mastandrea, Kesia Elwin, Nicolas Vaporidis, Lorenzo Balducci, Daniele De Angelis, Esther Elisha; origine: Italia; produzione: Italian Dreams Factory, SBS Films; durata: 88’
Valerio, per fuggire dalle ossessioni di una madre troppo protettiva, ha scelto di vivere con il padre, affetto dalla sindrome di Peter Pan. Valerio parte per il Marocco di nascosto dai genitori con tre amici coetanei. La madre del ragazzo, spaventata e preoccupata per la fuga del figlio, costringe l’ex marito e padre di Valerio ad andare alla ricerca del gruppo. Inizia così un viaggio che porterà i protagonisti a Marrakech, Ouarzazate ed Essaouira, tra fughe, inseguimenti, coincidenze e incontri. «Altra cultura, altro scontro generazionale che introduce al tema apparentemente secondario dell’incontro/scontro tra due culture diverse che è anche l’elemento che contraddistingue e caratterizza il film. Se il Marocco viene visto con uno sguardo esotico – forse a causa di alcune scene nelle quali si ha l’impressione che Falaschi abbia inserito immagini di repertorio – come luogo lontano per fuggire, allo stesso tempo diventa un’ambientazione interessante per lo sviluppo di un métissage europeo in Africa. Le coppie miste e l’amore come primo possibile incontro con l’altro che permette di abbattere alcuni muri, rappresentano un tema apparentemente secondario in Last Minute Marocco, che Falaschi sceglie di affrontare osservandolo da due punti di vista diversi: quello di una ragazza come Jasmina e quello di Sergio che prima per necessità, per caso e poi per amore si trova a viaggiare con Tamù, una donna berbera che gli permetterà di entrare più del figlio e dei suoi amici a contatto con una piccola parte del Marocco» (Alice Casalini).

ore 21.00
Corazones de mujer (2008)
Regia: Kiff Kosoof [Davide Sordella e Pablo Benedetti]; soggetto e sceneggiatura: D. Sordella e P. Benedetti; fotografia: P. Benedetti; scenografia e costumi: Francesca Fusari; musica: Enrico Sabena; montaggio: D. Sordella; interpreti: Aziz Ahmeri, Ghizlane Waldi, Mohammed Wajid, Medi, Hoja; origine: Italia/Marocco; produzione:  011 Films; durata: 85’
Zina, una ragazza di origini marocchine che vive a Torino, deve sposarsi e Shakira, un travestito marocchino che fa il sarto, le sta preparando gli abiti per il matrimonio. Zina però ha un problema, non è più vergine e non sa come fare. Shakira propone di aiutarla: convince i genitori a dare una settimana di tempo per andare a prendere le stoffe più belle in Marocco. Le due partono e arrivano nel loro paese d’origine via terra. Un lungo viaggio che ha come destinazione finale Casablanca, dove Zina potrà tornare vergine grazie a un piccolo intervento chirurgico. «Il viaggio come mezzo per scoprirsi, guardarsi e accettarsi è un topos letterario e cinematografico che spesso diventa solo uno strumento senza forza o un elemento aggiuntivo e superfluo di molte sceneggiature. In Corazones de mujer il viaggio è l’elemento fondamentale per un racconto di ricerca e scoperta. […] Zina e Shakira si muovono e si esprimono liberamente grazie alla discrezione della regia che si è limitata, nella fase delle riprese, a registrare, per poi rielaborare e manipolare il materiale, anche graficamente, in un secondo momento. Interessante vedere come Zina e Shakira si rapportino con il Marocco che conoscono, ma dal quale si sentono anche distanti: la ragazza non sempre si esprime perfettamente in arabo, mentre Shakira deve dimenticare la sua identità per farsi accettare dalla famiglia. Una scoperta per Zina e un amore disincantato per Shakira, che ricorda come c’è un’età in cui s’impara a non sognare più. I nodi, i dolori, le difficoltà emergono lentamente, tra incontri, liti e foto ricordo del viaggio, scattate con una polaroid dall’indiscutibile fascino retrò. Corazones de mujer è un film ironico, una riflessione anarchica sulla libertà di essere chi scegliamo di essere, di vivere e pensare oltrepassando i confini» (Alice Casalini).

7-10 giugno 
Paesaggi con figure. Viaggio in Italia attraverso il road-movie
La rassegna, a cura di Maria Coletti, prova a raccontare in maniera diversa la storia e la geografia del nostro paese, nel corso del tempo, attraverso il filo rosso del road-movie, genere poco frequentato dal cinema italiano: i film selezionati sono una sorta di bussola per orientarci nelle trasformazioni epocali e nei mutamenti, anche antropologici ed esistenziali, che hanno toccato l’Italia dal dopoguerra ad oggi. Dal classico Paisà – in fondo un road-movie ante litteram – alla commedia all’italiana e ai film d’autore, per arrivare all’alba del terzo millennio con film e sguardi sempre più centrifughi e nomadi. Dalla Storia alle storie, lo spazio prende il sopravvento sul tempo, l’identità si perde nella molteplicità del reale, come le immagini in corsa dal finestrino di un treno.

 “…porto il nome di tutti i battesimi 
ogni nome il sigillo di un lasciapassare 
per un guado una terra una nuvola un canto 
un diamante nascosto nel pane 
per un solo dolcissimo umore del sangue 
per la stessa ragione del viaggio viaggiare…”
Fabrizio De André, Khorakhané (A forza di essere vento)

giovedì 7
ore 17.00
Paisà (1946)
Regia: Roberto Rossellini; soggetto: Sergio Amidei, Federico Fellini, Marcello Pagliero, Victor Alfred Haynes, R. Rossellini; sceneggiatura: S. Amidei, F. Fellini, R. Rossellini; voce narrante: Giulio Panicali; fotografia: Otello Martelli; montaggio: Eraldo Da Roma; musica: Renzo Rossellini; interpreti: Carmela Sazio, Dots Johnson, Maria Michi, Harriet Medin, William Tubbs, Dale Edmonds; origine: Italia; produzione: O.F.I.; durata: 133’
Attraverso sei episodi indipendenti l’uno dall’altro, il film rievoca l’avanzata delle truppe alleate in Italia. Si inizia con un episodio dello sbarco in Sicilia, dove una ragazza e un soldato americano vedono troncare sul nascere la loro storia d’amore. Segue una scena a Napoli: i protagonisti sono un soldato afroamericano e un bambino che lo deruba. Inseguendolo, il bambino scopre la vita misera che conduce con la famiglia e decide di non denunciarlo. Il terzo episodio si svolge a Roma, dove un soldato incontra una prostituta, raccontandole di una ragazza che aveva conosciuto tempo prima. L’uomo non sa che quella giovane di cui serba il ricordo è proprio lei. Il quarto rievoca le drammatiche giornate della liberazione di Firenze, dove una donna cerca un suo amico pittore, ora capo partigiano. Il quinto si svolge in Romagna nella riposante quiete di un piccolo convento sulla linea gotica, sconvolto dagli eventi. L'ultimo, ambientato nel Delta del Po, esalta la coraggiosa opera di partigiani italiani nelle paludi della Valle padana. «[Il film] rispecchia dopo la tragedia della “città aperta”, quella di tutto un popolo. I sei episodi raccontano altrettanti incontri tra soldati americani che risalgono la penisola, combattendo contro i tedeschi e italiani. [...] Di “paisà in paisà” [...] l’obiettivo corre su di un paesaggio a tratti rovente di guerra, a tratti gravido di dissoluzione e di disperazione [...]. Le spiagge della Sicilia, le macerie di Napoli, le vie del dopoguerra romano, le piazze di Firenze [...] la pianura del delta padano [...] costituiscono lo sfondo di vicende concise esemplari: Robert e Carmela, in Sicilia, nella notte dello sbarco; il negro Joe e lo scugnizzo a Napoli; la notte romana di Fred in casa della prostituta Francesca; Massimo e Harriet per le vie deserte di una Firenze nelle ultime ore dell’occupazione tedesca; il pastore protestante e l’israelita d’America [...], la guerriglia, le fughe, gli eccidi nei canali alle foci del Po. [...] Tanta foga nel ritagliare figure e personaggi da una cronaca ancora viva negli occhi e nell’animo degli italiani, tanta avidità di scoprire, di raccontare, d’immergersi nelle dimensioni reali della nostra esperienza quotidiana e della nostra vita vissuta, sembrano suggellare la validità profonda delle aspirazioni del cinema e della cultura d’opposizione, e condurre a un approdo libero le prime rotture, i primi scandali antiretorici di De Sica e di Visconti» (Lizzani).

ore 19.20
Il federale (1961)
Regia: Luciano Salce; soggetto: Castellano e Pipolo; sceneggiatura: Castellano e Pipolo, L. Salce; fotografia: Erico  Menczer; montaggio: Roberto Cinquini; scenografia: Alberto Boccianti; costumi: Giuliano Papi; musica: Ennio Morricone; interpreti: Ugo Tognazzi, Georges Wilson, Gianrico  Tedeschi, Elsa Vazzoler, Mireille Granelli, Stefania Sandrelli; origine: Italia; produzione: D.D.L.; durata: 100’
Durante l’occupazione tedesca di Roma, ad Arcovazzi, un graduato delle brigate nere, zelante ed ambizioso, viene affidato il compito di catturare il professor Bonafé, un eminente filosofo antifascista, per farne un forzato propagandista della pericolante repubblica sociale. Ma se l’arresto del mitissimo professor Bonafé è un’impresa facile, il viaggio di ritorno a Roma dal natale paesino abruzzese dov’egli s’era rifugiato presenta non poche difficoltà. Attraverso mille peripezie, pericoli e strani incontri, il fascista e l’antifascista si perdono e si ritrovano. Insieme, giungono alla periferia della capitale. È il 4 giugno del 1944. Arcovazzi, indossata una divisa da federale trovata per caso alle porte della città e ignaro del fatto che Roma è stata occupata dagli Alleati, avanza tranquillo per la strada, ma è subito afferrato e malmenato dalla folla. A salvarlo è il professor Bonafé, il quale gli offre la propria giacca di borghese, quasi a suggellare l’amicizia, inconsueta e rara, che le vicissitudini sopportate insieme hanno fatto nascere fra due uomini tanto diversi per convinzioni, temperamento ed educazione. «Se i film come Tiro al piccione, e anche in parte Un giorno da leoni, esigono per ragioni di chiarezza una valutazione severa che tenga conto però di certe sollecitazioni d’avvio, di certe intenzioni, più o meno generose, dei loro autori, quelli come Il federale richiedono invece, per ragioni d'onestà, un tipo di discorso completamente diverso, duro e inequivoco. Se talune opere del “nuovo corso” possono favorire l’impressione di un compromesso non sempre persuasivo fra le necessità dello spettacolo e la sollecitazione delle idee (ma il discorso sulla produzione e sul professionismo, interessante e da farsi, non esaurisce affatto i problemi del cinema italiano contemporaneo), i film come quello di Salce sono qualcosa di più e di peggio di semplici cascami di una “tendenza” fortunata: Il federale infatti è sì un mediocre filmetto di intrattenimento, ma interamente giocato, e per questo lo si considera qui, sul piano di un equivoco e mistificatorio compromesso fra fascismo e antifascismo, con una esplicita riabilitazione del primo a danno del secondo. [...] Il film di Salce va segnalato [...] per l’abilità con cui sa propinare al pubblico il suo veleno, distillandolo goccia a goccia nella facilità delle sue scenette e delle sue figurine, facendo leva sugli stimoli più sgradevoli e deteriori dell’antico e sempre giovane qualunquismo nazionale» (Ferrero).

ore 21.15
La marcia su Roma (1962)
Regia: Dino Risi; soggetto e sceneggiatura: Age, Furio Scarpelli, Ruggero Maccari, Ettore Scola, Sandro Continenza, Ghigo De Chiara; fotografia: Alfio Contini; montaggio: Alberto Galliti; scenografia e costumi: Ugo Pericoli; musica: Marcello Giombini; interpreti: Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Roger Hanin, Angela Luce, Gérard Landry, Mario Brega; origine: Italia; produzione: Fair Film, Orsay Film; durata: 94’
Negli anni del primo dopoguerra un reduce che vive di espedienti, Domenico Rocchetti, incontra un suo capitano che lo invita ad aderire al movimento fascista. Durante un tafferuglio in un centro rurale, Rocchetti chiede aiuto a un suo ex commilitone, Umberto Gavazza. Ma il cognato di quest'ultimo, acceso antifascista, li mette alla porta ambedue. A causa di una nuova baruffa sorta per aver voluto sostituire gli spazzini in sciopero, vengono messi in prigione e poi liberati da una decisa azione degli squadristi. Dopo aver partecipato a parecchie “azioni punitive”, anche Rocchetti e Gavazza si preparano alla Marcia su Roma. Requisiscono un’automobile per raggiungere i camerati, ma vengono sconfessati perché il proprietario è un sostenitore del movimento fascista. In seguito a una scaramuccia scompaiono alle porte di Roma. «La marcia su Roma si affida alla formula dell’accoppiata di due ritratti opposti e complementari, portata al successo da La grande guerra; tra i due interpreti prevale Tognazzi, che dà vita alla robusta macchietta di un infingardo contadino disposto a ogni ribalderia ma non a lasciarsi turlupinare dalla demagogia mussoliniana» (Spinazzola). «Quella che avrebbe potuto essere una chiave satirica incentrata su un motivo inedito [...] s’impiglia in un estenuante repertorio umoristico che [...] raccoglie gags e barzellette. L’evoluzione dei personaggi è scontata [...] come sono preventivabili le traversie che [...] attraverseranno. La ricetta [...] lascia trapelare la scoperta e dosata premeditazione degli autori. L’industria cinematografica italiana la sua esca tentatrice l’ha scovata in certe storie dal risvolto civile; guai, però, a confondere le apparenze con il succo del film» (Argentieri).
    
venerdì 8
ore 17.00
Il sorpasso (1962) 
Regia: Dino Risi; soggetto e sceneggiatura: D. Risi, Ettore Scola, Ruggero Maccari, da una storia di Rodolfo Sonego; fotografia: Alfio Contini; montaggio: Maurizio Lucidi; scenografia e costumi: Ugo Pericoli; musica: Riz Ortolani; interpreti: Vittorio Gassman, Jean-Louis Trintignant, Catherine Spaak, Claudio Gora, Luciana Angiolillo, Luigi Zerbinati; origine: Italia; produzione: Fair Film, Incei Film, Sancro Film; durata: 108’
Bruno, un presuntuoso giovanotto motorizzato, incontra casualmente un giovane universitario, timido e inibito, e lo trascina con sé durante un lungo ferragosto. L’aggressività, il volgare e dirompente saper vivere di Bruno respingono e insieme affascinano lo studente. Bruno vive di espedienti, è separato dalla moglie, sua figlia è una ragazza che si appresta a sposare un anziano industriale. Vicende e incontri vanno e vengono, legati dal lungo filo della mania automobilistica di Bruno. «Il sorpasso, il viaggio cinematografico, a tratti antropologico, di Dino Risi attraverso l’Italia del boom economico e del miraggio del benessere, l’Italia delle vacanze e delle soste agli autogrill, delle canzonette, dei clacson e delle auto come status symbol, dei risparmi per la macchina e per le ferie, l’Italia dei Bruno Cortona e dei Roberto Mariani. […] Lo sguardo di Risi è clinico (non per niente studiò medicina), radiografico, caustico, tra Checov e Billy Wilder, disincantato e distaccato, pedagogico ma senza tirate moralistiche, asettico nel cogliere a caldo i mutamenti della società dell’epoca. Società condensata in qualche modo nel finale del film: muoiono i Roberto Mariani, muore l’Italia con principi e valori del passato, sopravvivono i Bruno Cortona, sopravvivono gli arrivisti, cialtroni, infingardi, arrampicatori sociali del boom economico, e restano a guardare incuriositi tutti gli altri, impassibili testimoni di un’epoca che si trasforma, senza fare niente» (Davide De Lucca).

ore 19.00
Morire gratis (1966-67)
Regia: Sandro Franchina; soggetto e sceneggiatura: S. Franchina; fotografia: Guido Cosulich; musica: Stefano Torossi; interpreti: Franco Angeli, Karen Blanguernon, Isabel D’Avila, Mario Pisu, Adriano Amidei Migliano, Sandro Brunori; origine: Italia; produzione: Fedel Film; durata: 72’
È lunga la strada che porta da Roma a Parigi. Franco, artista impotente e alcolizzato, la percorre di corsa con la sua automobile per trasportare la scultura di una lupa capitolina che nasconde della droga. Per strada incontra Michelle, una ragazza francese che diventa sua compagna d’avventura in un viaggio insensato e frenetico. Documento di una generazione irrequieta e allo sbando, Morire gratis potrebbe essere una sorta di Easy Rider italiano girato con due anni di anticipo rispetto al film di Hopper, così come è in anticipo sul ’68, di cui nel film si avverte ampiamente l’imminente avvento. Ed è l’unico lungometraggio di Sandro Franchina, artista poliedrico e enfant prodige del cinema italiano (era lui il bimbo protagonista di Europa ’51 di Roberto Rossellini). «Curioso road movie in anticipo sui tempi, anche se calato in un’atmosfera d’avanguardia anni Sessanta, con il frequente ricorso a voci fuori campo e musica sarcastiche o stranianti. Il ritratto del maledetto senza perché, dell’annoiato post-Sartre e post-Camus, sa certo di letteratura: ma colpisce, oggi, il modo di raccontare fenomenologico, aspro, asciutto, che rischia anche la lungaggine per far entrare lo spettatore in una dimensione vagamente allucinata» (Mereghetti). 
Copia ristampata a cura della Cineteca Nazionale 

ore 21.00
Bianco, rosso e Verdone (1981) 
Regia: Carlo Verdone; soggetto e sceneggiatura: Leo Benvenuti, Piero De Bernardi, C. Verdone; fotografia: Luciano Tovoli; montaggio: Nino Baragli; scenografia: Carlo Simi; costumi: Antonio Palombi; musica: Ennio Morricone; interpreti: C. Verdone, Lella Fabrizi, Mario Brega, Irina Sanpiter, Angelo Infanti, Milena Vukotic; origine: Italia; produzione: Medusa; durata: 115’
È tempo di elezioni politiche e gli elettori, che per ragioni di lavoro hanno lasciato il loro comune di residenza, vi ritornano per votare. Da Monaco di Baviera parte, con la sua auto sportiva, il materano Pasquale, che, sposato con una tedesca e costretto a subire la sua orrenda cucina, già pregusta una rimpatriata coi fiocchi. Da Torino parte per Roma, con i due figli e la moglie Magda, una donna piemontese, l’insopportabile Furio, un ometto pignolo e senza fantasia, abituato a programmare al secondo tanto il viaggio in auto, quanto la vita propria e quella dei familiari. Da Verona, dov’è andato a prendere sua nonna – una donna obesa, piena d’acciacchi, ma ricca di humour –, rientra nella capitale Mimmo, un giovanottone ingenuo con il cervello di un bambino. Durante il viaggio, Pasquale viene sistematicamente spogliato di tutto – radio, regali, auto – per cui, arrivato il momento di votare, saprà soltanto sfogare la sua rabbia con le parolacce. Furio, invece, sarà a tal punto riuscito a stancare la moglie con la sua pignoleria, da farle accettare la corte di uno sconosciuto. Mimmo, infine, avrà un'infelice avventura con una prostituta d'albergo, e, soprattutto, farà arrabbiare la nonna con le sue esagerate e sciocche premure. «Il secondo film di Verdone come regista ripropone lo schema di Un sacco bello: tre variazioni (rispettivamente in chiave tragicomica, sentimentale e grottesca) sul tema del personaggio verdoniano per eccellenza, lo “sfasato”, perennemente in ritardo rispetto al mondo e – più ancora – a se stesso, prigioniero di abitudini assurde che ne stritolano i residui di umanità. Il trittico di maschere (cui Verdone ritornerà, anni dopo, in Viaggi di nozze) assicura una piacevole varietà di accenti che non mina la compattezza della composizione, ma se Furio permette al mattatore di scatenarsi, ottenendo al tempo stesso un’eccellente resa dal cast di contorno (in cui spicca un’insolita Vukotic), gli altri due bozzetti ristagnano un po’, ora per la melassa incombente (malgrado la bonaria ironia della sora Lella), ora per la sensazione di ascoltare una barzelletta interminabile e nemmeno troppo divertente (fortunatamente riscattata da un epilogo esplosivo)» (Stefano Selleri).

sabato 9
ore 17.00
Stesso sangue (1988)
Regia: Sandro Cecca, Egidio Eronico; soggetto e sceneggiatura: S. Cecca, E. Eronico; fotografia: Roberto Meddi; montaggio: Anna Napoli; scenografia: Giuseppe Gaudino; musica: Penguin Cafè Orchestra, This Mortal Coil; interpreti: Daniele Nuccetelli, Alessandra Monti, Rick Hutton, Enrico Salvatore, Maria Fiore, Gianfranco Amoroso; origine: Italia; produzione: Libra Film; durata: 94’
Un fratello e una sorella rimasti orfani si associano ad un inglese e formano una gang di rapinatori, ma il loro futuro è il fallimento. «Diciamolo subito: Stesso sangue si adegua sfrontatamente ai canoni americani del cinema on the road che assomiglia il vivere a un perenne girovagare fra quinte violente e derelitte, dove ogni incontro è una pausa lungo la fuga. Pur citando con onestà Bonnie and Clyde, il film ricava tuttavia dal suo impianto iperrealista un che di allucinatorio proprio degli universi slabbrati e fatiscenti in cui i paesaggi industriali, i ruderi abbandonati, i silenzi della provincia, l’impassibilità stessa della natura rispecchiano il disfarsi delle coscienze. Mentre sarebbe inopportuno sovraccaricare di significati metaforici un racconto difettoso nei nessi, incerto fra il sentimentale e il grottesco, percorso da figure che soccombono al proprio valore simbolico, e recitato da attori per la maggior parte poco maturi, il film è chiaramente raggiunto nelle scenografie di Giuseppe Gaudino, inventate o trovate nel Basso Molise per dire il degrado planetario e fare da contrappunto al delirio del protagonista, allo sgomento della sorellina, all’eccentricità degli altri emarginati. Stesso sangue è, per concludere, un film malfermo, ma i suoi autori vanno seguiti. Almeno finché cercano nelle immagini d’un vivere agro e balordo la chiave del loro disagio generazionale» (Grazzini).

ore 19.00
Turné (1990)
Regia: Gabriele Salvatores; soggetto: Francesca Marciano, Alessandro Vivarelli, Fabrizio Bentivoglio, Paolo Virzì; sceneggiatura: F. Marciano, F. Bentivoglio, G. Salvatores; fotografia: Italo Petriccione; montaggio: Nino Baragli; scenografia: Marco Dentici; costumi: Francesco Panni; musica: Roberto Ciotti; interpreti: Diego Abatantuono, Laura Morante, Fabrizio Bentivoglio, Luigi Montini, Ugo Conti, Nini Salerno; origine: Italia; produzione: Cecchi Gori Group,  A.M.A. Film, Reteitalia; durata: 93’
Due attori trentacinquenni, Dario e Federico, amici fin dai tempi della scuola, partono in tournée dalla Puglia verso la Romagna con una compagnia che mette in scena Il giardino dei ciliegi di Anton Cechov. Dario, estroverso e pieno di ambizioni cinematografiche, tenta in ogni modo di spronare Federico, depresso per la fine della sua relazione con la speaker radiofonica Vittoria, il quale giorno dopo giorno sembra chiudersi di più in sé, perdendo interesse per tutto ciò che lo circonda, compreso lo spettacolo. Quel che non sa è che, in realtà, Vittoria lo ha lasciato proprio per Dario, che ora avrebbe lo spiacevole compito di raccontare la verità all’amico di sempre. L’arrivo di Vittoria, indecisa tra i due uomini, rischia di far esplodere il conflitto. «Film di situazioni psicologiche che spesso hanno il loro controcanto nei paesaggi, Turné si segue con piacere. È un altro road-movie di struttura più solida rispetto a Marrakech Express, con meno divagazioni e una sepolta ma fertile vena d’ironia» (Grazzini). «Bisogna riconoscerlo: al suo quarto film Gabriele Salvatores uno stile cinematografico se l’è già costruito. Stacchi musicali ad effetto, un montaggio serrato, un certo incantamento “on the road”, presa diretta e una predilezione per le storie d’amore e d’amicizia. Chi ha amato Marrakech Express non dovrebbe perdersi questo Turné, anche se la ciambella risulta stavolta un po’ meno saporita […] pur continuando a strizzare l’occhio a certo cinema americano, soprattutto nell’impasto tra le svisate blues di Roberto Ciotti e le fascinazioni fotografiche del viaggio» (Anselmi).

ore 21.00
Verso sud (1992)
Regia: Pasquale Pozzessere; soggetto e sceneggiatura: P. Pozzessere; fotografia: Bruno Cascio; montaggio: Carlo Valerio; scenografia: Cinzia Di Mauro; musica: Domenico Scuteri, Corrado Rizza; interpreti: Antonella Ponziani, Stefano Dionisi, Pierfrancesco Pergoli, Irene Grazioli, Tito Schipa Jr., Luigi Santamaria; origine: Italia; produzione: Demian Film; durata: 88’
Nel degradato ambiente che circonda la stazione Termini vive Paola uscita da poco dal carcere: le mancano sempre i soldi per i piccoli acquisti, e si prostituisce occasionalmente per mangiare e fare qualche regaluccio al figlio Chicco, due anni, che un istituto tiene in custodia essendo lei inaffidabile come madre. Nello stesso ambiente vive Eugenio, che ruba le elemosine nelle Chiese, e frequenta amici ladruncoli e, pur non drogandosi, sovente abbonda con l’alcool. La figura umana e comprensiva di un sacerdote, che lo sorprende a rubare e non lo denuncia incoraggiandolo a tentare una svolta, sembra fornire ad Eugenio un impulso positivo, che si rafforza allorché, dopo un fortuito incontro alla mensa della Caritas con Paola, tenta di costruirsi con lei una vita “normale”. Eugenio trova un ricovero nell’attico di una fabbrica sotto sequestro e un lavoretto come raccoglitore di cartone; Paola, approfittando di un incendio e relativa confusione, rapisce il figlio. Ma l'arresto di un loro amico che conosce il nascondiglio atterrisce Paola al punto da convincere Eugenio a rubare un’auto e a portare l’improvvisata “famiglia” in Puglia, dove ha un amico che lavora a un Luna Park. «Storia semplice a due personaggi con poche figure di contorno; attori giovani e poco noti seppur con qualche esperienza di teatro e televisione; l’ambientazione di una Roma degradata, desolata e marginale, colta con lo sguardo attento e fresco di un documentarista senza concessioni al folklore populista né manierismi pasoliniani; un’escursione finale – fuga e, insieme, ricerca – verso il Sud attraverso la luce dorata dei paesaggi pugliesi. […] È un film romantico; un racconto di sentimenti in cui si potrebbero cogliere gli echi di un certo verismo poetico e, specialmente verso l’epilogo, di un certo crepuscolarismo “maledetto” di film hollywoodiani con gli amanti in fuga» (Morandini).

domenica 10
ore 17.00
Compagna di viaggio (1996) 
Regia: Peter Del Monte; soggetto: P. Del Monte, Mario Fortunato; sceneggiatura: Gloria  Malatesta, P. Del Monte, Claudia Sbarigia; fotografia: Beppe Lanci; montaggio: Simona Paggi; scenografia: Mario Rossetti; costumi: Paola Marchesin; musica: Dario Lucantoni; interpreti: Michel Piccoli, Asia Argento, Lino Capolicchio, Silvia Cohen, Max Malatesta, Maddalena Maggi; origine: Italia; produzione: Alia Film, Istituto Luce; durata: 109’
Una ragazza di circa vent’anni, Cora, dal carattere ribelle e indipendente, vive da sola e senza alcun affetto. Un giorno le viene offerto uno strano lavoro: deve assistere un vecchio professore in pensione che spesso ha vuoti di memoria, ma senza che lui se ne accorga. La ragazza segue il professore in una sorta di vagabondaggio che li porterà prima a Carpi, poi a Forte dei Marmi, quindi per le campagne dell’Italia centrale, un po’ in corriera e un po’ a piedi, perdendosi e ritrovandosi. «Che bella notizia un bel film. Soprattutto se, come Compagna di viaggio di Peter Del Monte, selezionato da Cannes per Un certain regard, riesce a cancellare il ricordo del fallimento del film precedente, Tracce di vita amorosa, senza tuttavia tradirne la scelta di fondo: che è poi il leitmotiv del cinema di Del Monte, la ricerca dell’ineffabile, del non detto nei rapporti tra le persone. Ed è anche bello che, a ventun anni dal suo debutto con Irene Irene, Del Monte abbia ancora voglia di parlare della condizione dei vecchi – mettendola questa volta a contrasto con l’originale e intenso ritratto di una giovanissima senza tetto né legge. In verità è il ritratto della ragazza Cora, disegnato con grande intensità e naturalezza da Asia Argento, l’elemento portante del film» (Bignardi). «Un vecchio professore e una ragazza, un’esistenza conclusa e una vita sconnessa, un viaggio senza itinerario e senza scopo lungo le vie della memoria perduta e dell’esperienza mancante, attraverso persone e paesaggi d’una Italia mai vista (non tragica né ridicola, non devastata né intatta, squallida per una povertà diversa dalla carenza di soldi) fotografata benissimo da Beppe Lanci. L’incontro di due diversi smarrimenti, il contrasto tra indifferenza e impazienza, approda a una specie di affetto. Dopo oltre cinque anni di silenzio, Peter Del Monte, 53 anni, torna con un film che conferma la sua integrità d’artista e mostra l’evoluzione delle sue qualità di narratore di psicologie, di regista denso e delicato, di ottimo direttore d’attori: in Compagna di viaggio Michel Piccoli (molto ben doppiato da Francesco Carnelutti) e Asia Argento raggiungono una naturalezza senza improvvisazioni né sciatterie, una bravura ed eloquenza notevoli» (Tornabuoni).

ore 19.00
Le acrobate (1997)
Regia: Silvio Soldini; soggetto e sceneggiatura: S. Soldini, Doriana Leondeff; fotografia: Luca Bigazzi; montaggio: Claudio Cormio; scenografia: Mario Rossetti; costumi: Annabruna Gola; musica: Giovanni Venosta; interpreti: Licia Maglietta, Valeria Golino, Mira Sardoc, Angela Marraffa, Manrico Gammarota, Fabrizio Bentivoglio; origine: Italia; produzione: Aran Film, Vega Film, in collaborazione con Megaset, Ssr/Tsi (Televisione Svizzera Italiana); durata: 122’
Un dentino spedito in una lettera fa incontrare due donne che non si conoscevano e che vivono in due città diverse, una a Treviso, l’altra a Taranto. Da Treviso, Elena, che lavora in una fabbrica di cosmetici, arriva a Taranto per cercare di chiarire i misteri che circondano la morte di Anita, un’anziana signora che lei aveva accudito per un certo periodo, dopo averla investita una notte con la sua automobile. Qui entra in contatto con Maria, un’amica di Anita, che è commessa in un supermercato, è sposata ed ha una figlia piccola. Dopo alcuni approcci improntati a diffidenza e incertezza, le due donne si separano, anche perché tra Maria e Anita, in realtà, non c’è alcun legame. Ma un giorno Maria scrive ad Elena, ed Elena risponde invitando l’altra a Treviso. Qui, come legate da un filo magico, le due donne cominciano a conoscersi meglio, finché, spinte dall’insistenza della piccola Teresa, capiscono di avere entrambe una grande voglia di interrompere la solita routine e decidono di partire per le montagne.. «Un dentino cade in un bicchiere. Un’arancia rotola sul fondo di una macchina. Dettagli. Grammatica tenera dello sguardo. Un incontro scombina le geometrie della vita, che devia e si riorganizza come in un grande chiasmo: la donna del nord incontra la vecchia slava, che ha incontrato la donna del sud; Elena andrà a cercare Maria, Maria scriverà (una lettera scritta a mano che farà l’effetto di una bomba sulla scrivania tecnologica dell’altra) e poi si avventurerà fino a Treviso, da Elena. Da nord a sud, da sud a nord. È l’ultima calda ingegneria narrativa di Silvio Soldini, Le acrobate. Donne che giocano leggere sul vuoto. Loro, piene di una relazione pericolosa, gratuita, disordinante. […] Le due donne inventano il loro spazio in un viaggio segreto, straordinario intimo esodo dal mondo […]. Le altre due acrobate, la vecchia bulgara della casa bazar e la bambina curiosa, compiono i loro riti personali ma non privati di seppellimento di gatti e dentini. Alla ricerca di spazi altri, alieni come prati senza case e montagne del nord (altro che Padania). Maria, la donna del sud, racconta delle volte che si vorrebbe abbracciare tutti nel tram perché ci si sente che sta per succedere qualcosa di bello. Elena ascolta, cerca di capire (capirsi, trovarsi) e intanto sorride, finalmente. Teresa sembra abbracciare davvero, possedere l’universo in sé. I sogni dei grandi si realizzano da piccoli. Forse restano nella memoria, come una nostalgia che chiamiamo desiderio. Alla fine va a collocare il suo piccolo dente, che quello strano topolino ha portato in giro per l’Italia, proprio là sulle Alpi. Si teme un po’ per lei, nell’ultima inquadratura: sola nella neve, con le raccomandazioni della mamma a fare attenzione. Perché si è adulti e si teme per i piccoli. Ma forse sono loro che dovrebbero temere per noi» (Andrea Bagni).

ore 21.15
Quello che cerchi (2001) 
Regia: Marco Simon Puccioni; soggetto: M. S. Puccioni; sceneggiatura: Massimo Bavastro, M. S. Puccioni; fotografia: Paolo Ferrari; montaggio: Babak Karimi, Federico Schiavi; scenografia: Marta Zani, M. S. Puccioni; costumi: Sergio Maria Minelli; musica: Cristiano Fracaro, Mike Galasso; interpreti: Marcello Mazzarella, Stefania Orsola Garello, Antal Nagy, Antonella Attili, Lulu Pecorari, Carolina Felline; origine: Italia; produzione: Intelfilm; durata: 105’
Impero, uno schivo investigatore privato, deve indagare su Davide, un ragazzo che vive tra centri sociali e fabbriche abbandonate e che potrebbe essere suo figlio. Infatti sua madre, Michèle, è stato il suo primo amore mentre Francesco, il padre di Davide, è stato suo compagno di gioventù, ma a quarant’anni si è trasformato in donna. Solo Michèle potrebbe chiarire il dubbio di Impero che comunque sente vivo il suo desiderio di paternità. Per un incidente avvenuto durante un attentato dimostrativo Davide deve lasciare la città per rifugiarsi a Napoli. Le tappe del viaggio portano i due a visitare inconsueti territori periferici e segnano la liberazione di Impero dalla depressione che ha dominato la sua vita. Dalle note di regia: «In una società dove i padri sono assenti e tutti sembrano impegnati a ricercare la propria identità ero interessato a raccontare il legame padre figlio tra due persone che non sono parenti. Il punto di arrivo è stato il racconto di una liberazione dalla depressione e dall’ansia del possesso». «Quello che cerchi è il bell’esordio di Marco Simon Puccioni; profetico e dedicato alla generazione “no logo”, ma capace di scavare ancora più a fondo, portando quell’occhio privato più verso il Deckard di Blade Runner che verso il Marlowe di Raymond Chandler. E individuando nel patto di tutela e di scambio che lega le generazioni il punto di frattura decisivo del mondo di oggi. Senza fare sociologismi né facile psicologia, ma lavorando sugli ambienti, sugli attori, sulle immagini rielaborate in digitale da Paolo Ferrari, insomma partendo dal sociale per puntare all’inconscio. Un bel segnale di vitalità» (Ferzetti).

lunedì 11
chiuso

martedì 12
Sperimentale italiano 
Sperimentale italiano è l’appuntamento che la Cineteca Nazionale dedica al cinema di ricerca e d’artista degli anni Sessanta e Settanta (con delle piccole incursioni nei decenni successivi). In quegli anni, infatti, artisti di varia provenienza e giovani autori fanno del cinema il loro mezzo di elezione, oltre e contro le forme e i linguaggi del cinema narrativo tradizionale. Si “riscrive” la storia del cinema, indagandone le possibilità comunicative latenti, la struttura tecnologica di base e le dinamiche percettive. Il cinema torna ad essere una terra incognita da esplorare con l’euforia e l’entusiasmo dei pionieri. Se a livello culturale e organizzativo il cinema underground americano è un punto di riferimento fondamentale, esso non racchiude né definisce l’esperienza italiana, che mantiene una forte identità e peculiarità. La ricchezza e varietà di temi, stili e tecniche del cinema sperimentale italiano sono il fulcro di questo appuntamento, che vorrebbe squarciare il buio del sottosuolo in cui queste opere sono state a lungo dimenticate e offrire la possibilità al pubblico di conoscere una parte poco nota del patrimonio cinematografico italiano. Da alcuni anni la Cineteca Nazionale lavora al recupero e alla preservazione di questi film e Sperimentale italiano è la presentazione dei primi risultati di questo progetto.
Abbiamo diviso i film in dieci programmi, che alterneremo sia all’interno della medesima giornata sia lungo i mesi che seguiranno, in modo da dar conto in maniera completa, ma al contempo aperta, del caleidoscopico universo di questa produzione.

ore 17.00 
Le je à la camera 84
Dove incominciano le gambe (1975)
Regia: Piero Bargellini; origine: Italia; durata: 30’
«La fantasia è il prodotto dell’attività psichica del pensiero, o meglio l’autocensura che ha represso nell’uomo la capacità di pensare liberamente, degradando e relegando l’immaginazione sul piano astratto della fantasia. Fin da bambino l’uomo viene educato a pensare in termini di fantasia: i bambini si differenziano dagli adulti, così si dice, perché ricchi di fantasia. Al contrario, il bambino nasce con la magica qualità della immaginazione-allucinazione, ovvero vive sul piano del reale-creativo, che poi gli adulti penseranno per lui con violenza a castrare perché la verità fa paura, sostituendolo, surrogandolo con l’astrazione del fantastico. In principio l’immaginazione è il pensiero, allucinazione è comunicazione sul piano visivo, espressione per immagine-oggetto materializzata» (Bargellini).

a seguire
Gasoline (1970) 
Regia: Piero Bargellini; origine: Italia; durata: 14’
«Un film girato in “viaggio” attraverso e durante una tempesta magnetica rivelata nel continuo di un flash cosmocatartico. Io seduto dietro alla macchina da presa fissata sul cavalletto e regolata all’altezza dell’asse orizzontale che passa per gli occhi di Valentina. Ho filmato i miei cari: Valentina e sua madre, Giovanna, in un unico blocco, piano sequenza interrotto dagli stop di fine rullo» (Bargellini).

a seguire
Warming up (1973) 
Regia: Massimo Bacigalupo; origine: Italia; durata: 40’
«Girato fra Italia e Stati Uniti, montato e stampato a New York, il film è programmaticamente povero e giocoso, un caleidoscopio di immagini e colori. Il titolo significa “riscaldarsi”, “prepararsi a”, suggerendo che Warming Up è un esercizio per tenersi in forma e magari prepararsi a più impegnative imprese. Qualcosa che si fa per passare il tempo. Fu in parte girato su pellicola scaduta regalatami da Martino Oberto, adatta dunque a un progetto sperimentale, a prendere appunti visivi, a inventare una storia mentre va avanti» (Bacigalupo).

ore 19.00
Il cinema il corpo e la memoria 
Voy-age (1964) 
Regia, fotografia e montaggio: Giorgio Turi, Roberto Capanna; origine: Italia; durata: 11’
«Si può considerare un esperimento nell’ambito di una ricerca tendente a realizzare un tipo di cinema che sia mezzo di espressione di idee e situazioni, svincolato dalle convenzioni della storia e del personaggio. Partendo da un’idea di base, e cioè il rapporto fra l’uomo (nella vecchiaia) ed il progresso tecnologico simboleggiato dal ferro, era stato girato, basandosi sull’improvvisazione nell’ambito di un dato tema, materiale di vario genere, integrato poi da materiale residuato da altri documentari girati in precedenza» (Turi).

a seguire
Souvenir (1967) 
Regia, fotografia e montaggio: Mario Schifano; origine: Italia; durata: 11’
Peter Hartman e Gerard Malanga visitano San Pietro mescolandosi ai numerosi turisti. I loro corpi e le loro azioni contrappuntano in maniera ironica lo spazio di una nuova sacralità: quella del turismo di massa.

a seguire
A corpo (1968) 
Regia, fotografia e montaggio: Guido Lombardi; origine: Italia; durata: 14’
«È principalmente un continuo di immagini, più o meno dirette, di situazioni reali, di oggetti, in rapporti vari di contiguità allo scopo di osservare alcuni rituali. È una breve storia del corpo umano e dei suoi tattili dintorni, di gesti, di una bandiera americana» (Lombardi).

a seguire
Vampiro romano (1970)
Regia, fotografia e montaggio: Alfredo Leonardi; origine: Italia; durata: 25’
Il protagonista è un giovane vampiro che vive una giornata ordinaria tra spesa al mercato, incontri con gli amici e l’attività teatrale. La sua necessità di sangue è sublimata nei rapporti sociali, ma si riaffaccia dolorosamente alla fine.

a seguire
Errore di gruppo (1972) 
Regia, fotografia e montaggio: Karma Film (Mario Gianni, Elio Rumma, Patrizia Vicinelli); origine: Italia; durata: 12’
Una donna gira in maniera misteriosa per le strade di Lourdes. Chi è? dove va? E perché ha in mano una pistola? Patrizia Vicinelli è la protagonista di questo piccolo film.

a seguire
Tob&Lia (1974) 
Regia, fotografia e montaggio: Michele Sambin; origine: Italia; durata: 7’
«Gli interpreti di questo breve film sono il mio cane e una bambina. I due non si sono mai incontrati. Con una sofisticata tecnica di sovrimpressione ho costruito un ipotetico rapporto confronto-incontro che va oltre la realtà» (Sambin).

a seguire
Diogene (1977)
Regia, fotografia e montaggio: Michele Sambin; origine: Italia; durata: 3’ 
«Nell’estate del ’77, come Diogene, parto alla ricerca dell’uomo. La mia botte è la 500 familiare che diventa la mia casa dove abito e dormo, attorno a me le poche cose che mi sono necessarie. La mia lampada è la cinepresa con cui faccio luce su ciò che mi sta intorno e sulla mia esistenza. Il breve film è la prima bobina, l’inizio di un progetto non portato a termine perché la vita ha vinto sull’arte» (Sambin).

ore 21.00 
Attorno al ’68. Il reale non può attendere 
&. Là il cielo e la terra si univano, là le quattro stagioni si ricongiungevano, là il vento e la pioggia si incontravano (1972) 
Regia: Anna Lajolo, Guido Lombardi; origine: Italia; durata: 75’
«Per questo suo agire nel punto in cui le cose vengono attraversate dal tempo e mostrano le loro relazioni reciproche e con le persone, il cinema è un’archeologia in atto del presente, spinta al punto e al momento in cui accadono e si proiettano gli avvenimenti, le situazioni, la quale tenta l’analisi immaginaria di tutto il tempo. Il film quale struttura di questo processo può essere archeologia della società. Il film & si basa su un’analisi politica della società capitalistica alla quale fanno riferimento le presenze vere dei personaggi. Le loro esperienze saranno le parti vere che comporranno e determineranno il linguaggio cinematografico del film fatto di gesti, di racconto e di memoria» (Lajolo-Lombardi).

13-17 giugno
Sergio Castellitto. Senza arte né parte
«Un volto inconfondibile che si presta a delle imprevedibili trasformazioni grazie a una sottile capacità di introspezione del personaggio da interpretare: Sergio Castellitto è l’erede dei mostri sacri del cinema italiano, Marcello Mastroianni, Ugo Tognazzi, Nino Manfredi, Alberto Sordi e Vittorio Gassman, attori in grado di calarsi in ogni ruolo mantenendo una precisa identità, in un gioco di immedesimazione che punta tutto sulla sottigliezza recitativa piuttosto che sul camaleontismo fisico. L’apparente normalità della recitazione, una naturalezza di gesti ed espressioni raggiunta grazie allo studio e all’applicazione, con decisive esperienze teatrali alle spalle. Questa naturalezza ha consentito a Castellitto di prestare il suo volto ad alcuni dei personaggi più amati dagli italiani, come Fausto Coppi, Enzo Ferrari e padre Pio, ed è in queste interpretazioni, al cospetto di autentiche icone popolari, che l’attore svela un altro lato del suo carattere: l’umanità che abbatte qualsiasi mito e mistificazione. Un attore di estrema finezza che ha contribuito, negli ultimi trent’anni, al rinnovamento del cinema italiano legando il suo nome a quello di registi come Amelio (La stella che non c’è), Bellocchio (L’ora di religione, Il regista di matrimoni), Scola (La famiglia, Concorrenza sleale), Tornatore (L’uomo delle stelle) […], per poi imporsi anche all’estero, con una presenza ormai costante nel cinema francese, dove ha modo di farsi apprezzare da Jacques Rivette (Chi lo sa? e Questione di punti di vista)» (dalla quarta di copertina del volume a cura di Enrico Magrelli, Sergio Castellitto. Senza arte né parte, Rubettino, Soveria Mannelli, 2012, realizzato in occasione dell’omaggio all’attore nell’ambito della 13° edizione del Festival del Cinema Europeo di Lecce).

mercoledì 13
ore 17.00
Tu sei differente (1985) 
Regia: Alberto Taraglio; soggetto e sceneggiatura: Luca Benedetti, A. Taraglio; fotografia: Paolo Sanna; scenografia: Giacomo Calò Carducci; costumi: Luigi Bonanno; montaggio: L. Benedetti; interpreti: Sergio Castellitto, Monica Rametta, Clara Colosimo, Alberto Mangiante, Pierluigi Cuomo, Bianca Pesce; origine: Italia; produzione: Csc; durata: 39’ 
Vite di Francesco Grigioni, oscuro impiegato dell’ufficio di collocamento, e di Diana Parmeggiani, neo laureata in attesa di prima occupazione. Inevitabile l’incontro, con effetti tragici per entrambi. Lui conduce un programma in una radio e sogna di sfondare in tv, lei sogna l’amore. In stile Zelig: voce fuori campo (di Pino Locchi), immagini di repertorio, fotografie, interviste, per ricostruire le vite dei due. Ironico e, malgrado il tema, spensierato. 

a seguire
Le général de l’Armée morte (L’armata ritorna, 1984)
Regia: Luciano Tovoli; soggetto: dal romanzo omonimo di Ismael Kadaré; sceneggiatura: Jean-Claude Carrière, M. Piccoli, L. Tovoli; fotografia: L. Tovoli, G. Tinelli; scenografia: Alessandro Dell’Orco; costumi: Karl Lagerfeld, Giulia Mafai; montaggio: Noëlle Boinou, Marie Robert, Jennifer Auge; interpreti: Marcello Mastroianni, Michel Piccoli, Anouk Aimée, Gérard Klein, Sergio Castellitto, Daniele Dublino; origine: Italia/Francia; produzione: Antea Cinematografica, Rai, A.2 Films, Films 66, U.G.C. - Union Générale Cinématographique; durata: 87’
Nei primi mesi del 1960, quasi 20 anni dopo la fine della seconda guerra mondiale, un generale italiano, accompagnato da un sacerdote che è anche un colonnello dell’esercito italiano, viene inviato dal Governo italiano in Albania per individuare e raccogliere le ossa dei connazionali e dare dignitosa sepoltura. Organizzando il lavoro si interrogano sul loro compito e sul significato delle guerre. Si accorgono che anche un generale tedesco è lì con lo stesso compito. «Un giorno si presentò Castellitto. Io non lo conoscevo minimamente. […] Vidi subito in lui un certo tipo di humour unito a una timidezza venata d’innocenza e di delicatezza. Scelsi senza alcuna remore Sergio e non me ne sono pentito. Per il ruolo che doveva interpretare recitava accanto a Mastroianni e Piccoli. C’era in lui la timidezza di attore giovane che non aveva ancora fatto molto e si trovava vicino a questi grandi mostri sacri. Aveva quindi un atteggiamento estremamente attento, ma mai preoccupato. Nel film Castellitto ha sfoggiato una serie di sorrisi che sono perfetti per il personaggio che doveva interpretare» (Tovoli).

ore 19.15
Sembra morto... ma è solo svenuto (1986) 
Regia: Felice Farina; soggetto: Sergio Castellitto; sceneggiatura: F. Farina, S.Castellitto, Gianni Di Gregorio; fotografia: Renato Tafuri; scenografia: Valentino Salvati; costumi: Cinzia Milani; musica: Lamberto Macchi; montaggio: Roberto Schiavone;  interpreti: S. Castellitto, Marina Confalone, Mario Prosperi, Claudio Spadaro, Marco Giardina, Susanne Rust; origine: Italia; produzione: Rai, Tecno Image Production; durata: 86’
I fratelli Romano e Marina Duranti vivono in un piccolo appartamento in periferia. Marina batte a macchina tesi di laurea, Romano rapisce cani di razza per chiedere il riscatto. Nella loro vita entra Alfio, un nuovo dirimpettaio, che diventa l’amante di Marina. Alfio nasconde nel frigorifero di casa Duranti un chilogrammo di cocaina. Romano se ne accorge, ma mentre litiga con Alfio, irrompe la polizia. Alfio si dà alla fuga con Marina, mentre Romano riesce con uno stratagemma a liberarsi degli agenti. Dopo qualche anno Romano è diventato un boss di quartiere. Un giorno torna Marina, incinta e con le doglie. Mentre accompagna la sorella in ospedale, Romano viene colpito da un colpo di fucile. «Sembra morto… ma è solo svenuto è un film importantissimo per me e per la mia carriera, perché è un film che ho scritto, che ho inventato nel soggetto e nella sceneggiatura, poi firmata con gli altri, ma so, e lo sanno anche gli altri, che il dna di quel progetto è completamente mio. […] È importantissimo perché lì si affaccia per la prima volta un gusto, che scopro di avere, verso quello che banalmente o in maniera il più possibile semplice, si definirebbe il grottesco o un certo grottesco, che preferisco chiamare il paradossale e in un certo senso irreale, e non irrealismo, perché qui viene fuori la mia profonda educazione teatrale» (Castellitto).

ore 21.00
Stasera a casa di Alice (1990)
Regia: Carlo Verdone; soggetto e sceneggiatura: Leo Benvenuti, Piero De Bernardi, C. Verdone, Filippo Ascione; fotografia: Danilo Desideri; scenografia: Virginia Vianello; costumi: Tatiana Romanoff; musica: Vasco Rossi; montaggio: Antonio Siciliano; interpreti: C. Verdone, Ornella Muti, Sergio Castellitto, Yvonne Sciò, Cinzia Leone, Beatrice Palme; origine: Italia; produzione: Cecchi Gori Group - Tiger Cinematografica, Pentafilm; durata: 122’
Filippo e Saverio hanno sposato due sorelle, Gigliola e Caterina. Gigliola scopre che Filippo ha una relazione con una certa Alice, ne parla con la sorella e con Saverio, il quale prende a cuore la cosa e invita il cognato a tornare in famiglia. Poi si reca a casa di Alice per mandarla via dall’appartamento, che è di proprietà di Gigliola. Il giorno dopo Saverio torna a casa di Alice per la consegna delle chiavi e cade anche lui nella trappola degli occhi della ragazza. Inizia così per Saverio un periodo di “frequentazione” segreta, mentre Filippo cade in una profonda depressione. «Carlo Verdone è stato il primo incontro con la commedia […] Carlo mi ha insegnato, oltre al gusto di saper stare dentro la commedia maneggiando tutti i materiali del genere, compresa la volgarità senza però rimanerne seppelliti. Perché quella è la grandezza anche di un attore come lui, saperla sfiorare, saper anche dire la parolaccia, però sempre dentro un equilibrio. […] E poi Carlo ha una generosità nei confronti degli attori con cui lavora che è impressionante. […] Non è mai geloso. È un piacere reciatre con lui. Insieme ci siamo divertiti da matti! È difficile da spiegare, perché non sai quando finisce e quando cominci con il ciak, certe volte» (Castellitto).

giovedì 14
ore 17.00
La carne (1991)
Regia: Marco Ferreri; soggetto: M. Ferreri, Liliana Betti; sceneggiatura: M. Ferreri, Liliana Betti; fotografia: Ennio Guarnieri; scenografia: Sergio Canevari; costumi: Nicoletta Ercole; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Sergio Castellitto, Francesca Dellera, Philippe Léotard, Farid Chopel, Petra Reimhard, Gudrun Gundelach; origine: Italia; produzione: Master Movie Distribution; durata: 90’
Paolo, separato con due figli, è impiegato al Comune e la sera suona il piano un po’, dove capita. Il suo problema è ritrovare Dio. La sua Prima Comunione è stata un’esperienza di totale immersione nel divino e lui vorrebbe riviverla. Francesca è una giovane donna autosufficiente, bianca e luminosa. Gira il mondo senza meta, vivendo quello che le capita. Viene da un’esperienza con un guru indiano. È rimasta incinta. Ha abortito ed è tornata a vagare. Paolo e Francesca si incontrano nel night di un amico di Paolo. Tra loro è subito amore. Si rinchiudono nella casa al mare di Paolo, da cui escono solo per acquistare cibo, specialmente carne, conservata in un frigorifero vicino al letto. Ma gli amplessi frenetici non riescono a realizzare la totalità che Paolo sogna. Il rapporto si esaurisce e Francesca pensa di andare via. Paolo sogna un'altra possibilità di fusione... «La carne di Marco Ferreri è una commedia in forma di incubo, un film che verrà rivalutato negli anni. La sceneggiatura era composta solo da una trentina di pagine di una storia al limite della comprensibilità e ho capito subito che tutto sarebbe stato cambiato sul set, che avremmo lavorato in un modo totalmente diverso. E infatti è stata un’esperienza importante sul piano dell’improvvisazione e dell’immediatezza» (Castellitto).

ore 19.00
Il grande cocomero (1993)
Regia: Francesca Archibugi; soggetto e sceneggiatura: F. Archibugi; fotografia: Paolo Carnera; scenografia: Livia Borgognoni; costumi: Paola Marchesin; musica: Battista Lena, Roberto Gatto; montaggio: Roberto Missiroli; interpreti: Sergio Castellitto, Anna Galiena, Alessia Fugardi, Silvio Vannucci, Alessandra Panelli, Victor Cavallo; origine: Italia/Francia; produzione: Ellepi Film, Italian International Film, Rai, Crysalide Films, Moonlight Films; durata: 103’
Valentina, una ragazzina di dodici anni chiamata da tutti Pippi, viene ricoverata al reparto di neuropsichiatria infantile del Policlinico di Roma dopo una crisi epilettica. Arturo, il giovane psichiatra che la prende in cura, tenta prima di farle accettare la sua malattia, poi cerca di capire la complessa struttura della sua famiglia. Il padre e la madre sono incapaci di fronteggiare il male della loro unica figlia, tentano di proteggerla ma allo stesso tempo lasciandola sola. Al reparto Pippi trova un ambiente affettivo in cui Arturo la induce a tentare nuove relazioni. «Il grande cocomero lo considero da questo punto di vista uno dei film più romantici e generazionali, perché c’era dietro la storia di Marco Lombardo Radice. Il personaggio era ispirato naturalmente a lui anche se si chiama in un altro modo. Nel film c’è stato questo incontro con questi ragazzi, con questa generazione, cioè il racconto di una malattia sociale, che era l’epilessia, o supposta tale, incarnata nel personaggio di quella ragazzina. […] Fu proprio Francesca Archibugi a propormi il film. Lessi il copione e rimasi abbagliato da questo personaggio che era luminoso e nello stesso tempo pieno di contraddizioni, con un passato difficile. […] Ricordo davvero il film come un’avventura emotivamente molto forte. Avevamo tutti la sensazione di compiere qualcosa che in qualche misura sarebbe rimasto ed è rimasto» (Castellitto). «Ho rischiato di farlo affogare in trenta centimetri d’acqua. Era un’inquadratura semplicissima, un primo piano del suo viso che scivolava sott’acqua in una vasca da bagno. Sergio era nudo. Le mutande rischiavano di entrare in campo. […] Al quarto o quinto ciak si è scomposto, ha fatto un movimento incomprensibile, sconclusionato, gli è entrata l’acqua nel naso, ha aperto la bocca, ha inspirato una sorsata d’acqua e ha annaspato come fosse in mezzo all’oceano pacifico. Ho dato lo stop e dopo poco è arrivato in accappatoio. Lo  sguardo sulla soglia, quando è apparso, è forse il ricordo più vivido che ho di lui» (Archibugi).

ore 21.00
L’uomo delle stelle (1995)
Regia: Giuseppe Tornatore; soggetto: G. Tornatore; sceneggiatura: Fabio Rinaudo, G. Tornatore; fotografia: Dante Spinotti; scenografia: Francesco Bronzi; costumi: Beatrice Bordone; musica: Ennio Morricone; montaggio: Massimo Quaglia; interpreti: Sergio Castellitto, Tiziana Lodato, Clelia Rondinella, Jane Alexander, Tony Sperandeo, Leo Gullotta; origine: Italia; produzione: Cecchi Gori Group - Tiger Cinematografica, Rai; durata: 114’
Joe Morelli, uomo dal passato avventuroso, è uno scopritore di nuovi talenti per il cinema e promette, a quelli che supereranno un accurato provino, una brillante carriera d’attore a Cinecittà. Davanti alla macchina da presa di Joe gli aspiranti attori provano a recitare, ma soprattutto si confessano. Raccontano storie comiche e tragiche, peccati, soprusi, drammi mai rivelati a nessuno. Raccontano la Sicilia, la sua solitudine, il suo bisogno di riscatto, di dignità, di benessere. E, nel caleidoscopio di casi umani, emerge quello di Beata, una trovatella diciottenne che potrebbe cambiare la vita di Joe se l’avventura dell’“uomo delle stelle” non prendesse a un certo punto una piega imprevista. Joe si renderà conto che anche lui, come i siciliani, è solo, incompreso, vinto, capace soltanto di sognare. Premio miglior attore Nastri d'Argento 1996. «L’uomo delle stelle di Giuseppe Tornatore è un film cupo seppur con note da commedia all’italiana. Joe Morelli, il personaggio che interpreto, è “figlio” di Alberto Sordi, di Gassman o di Manfredi ma andava rielaborato per essere inserito in questa cornice drammatica. All’inizio Tornatore era preoccupato per il tipo di interpretazione che volevo dare al personaggio ma poi mi ha lasciato completamente libero. Ho un ricordo bellissimo del film anche perché  è stato un viaggio dentro la Sicilia, una Sicilia che io non conoscevo. […] Ero abituato a una Sicilia marina. Non a una Sicilia delle montagne, di certi entroterra terribili e scuri, ma anche vivi, raccontati in modo particolare grazie anche alla luce di quel genio che è Dante Spinotti» (Castellitto).

venerdì 15
ore 17.00
Libero Burro (1999)
Regia: Sergio Castellitto; soggetto: dal racconto di Bruno Gambarotta Torino, Lungodora Napoli; sceneggiatura: Piero Bodrato, S. Castellitto, Margaret Mazzantini, Giulia Mibelli; fotografia: Gianfilippo Corticelli, Chicca Ungaro; scenografia: Sonia Peng; costumi: Paola Bonucci; musica: Angélique Nachon, Jean-Claude Nachon; montaggio: Mauro Bonanni;  interpreti: S. Castellitto, Margaret Mazzantini, Michel Piccoli, Chiara Mastroianni, Bruno Armando, Pietro Contento; produzione: Intrepido Film, Rai Cinemafiction, MA Productions; durata: 100’
Libero Burro è un quarantenne di origine centromeridionale che ha deciso di fare il manager a Torino. Eccolo lanciarsi nell’azzardo di accaparrarsi La Cavalerizza, uno stabile in pieno centro di proprietà del suo amico perdigiorno Marione, indefesso giocatore di cavalli e padre della bella Rosa. Nelle sere di afa estiva, al tavolo del ristorante del marsigliese Tony, Libero racconta a gran voce sogni e progetti, e i ragazzi presenti lo ascoltano ammirati. Si mette poi a studiare alle scuole serali insieme ai marocchini per prendere il diploma di geometra. In questa occasione conosce Caterina, professoressa d’italiano, di cui diventa l’amante. Libero è estroverso, simpatico, dalla battuta pronta. Ma troppa invadenza comincia a dare fastidio. «Mi proposero la regia del film. Accettai di realizzare questo progetto, poi ci furono, come al solito, problemi produttivi, organizzativi, anche di relazioni. Il libro era molto bello, molto divertente e grottesco […]. Per me è stata un’esperienza importante perché è stata la prima volta che recitavo e dirigevo. Dal punto di vista proprio “sportivo”, ho capito quanto fosse interessante la fatica fisica della regia, non quella intellettuale. Quella intellettuale è stimolante, spesso è anche noiosa, è implosiva, è tutta interiorizzata, mentre dirigere un film è già di per sé un esercizio fisico, almeno per quello che mi riguarda: io sono sudato, puzzo alla fine della giornata, puzzo fisicamente come un operaio. Anche il corpo del regista lavora» (Castellitto).

ore 19.00
Concorrenza sleale (2001)
Regia: Ettore Scola; soggetto: Furio Scarpelli; sceneggiatura: E. Scola, F. Scarpelli, Silvia Scola, Giacomo Scarpelli; fotografia: Franco Di Giacomo; scenografia: Luciano Ricceri; costumi: Odette Nicoletti; musica: Armando Trovajoli; montaggio: Raimondo Crociani; interpreti: Diego Abatantuono, Sergio Castellitto, Gerard Depardieu, Sabrina Impacciatore, Claudio Bigagli, Elio Germano; origine: Italia; produzione: A.GI.DI., Medusa Film, Telepiù, Filmtel; durata: 106’
I protagonisti sono due commercianti di stoffe che hanno negozi attigui nell’Italia del 1938. Uno è ebreo, l’altro no. Li divide una piccola rivalità professionale, alimentata da screzi, tiri mancini e furbizie da commercianti. In poche parole non si amano. Finché non vengono promulgate le terribili e tristemente famose leggi razziali contro gli ebrei. Il rapporto tra i due allora comincia a cambiare. L’intolleranza, l’esclusione, non avere gli stessi diritti, non poter frequentare le stesse scuole, non poter esercitare il proprio lavoro, né tenere aperto il proprio negozio, scoprire di essere considerati “diversi” per nascita e per razza fanno avvicinare i due, una volta nemici. Nasce così un’amicizia, un mutuo soccorso alle ingiustizie subite da uno dei due. Solo l’unione può fare la forza. «Il bozzettismo tipico di Scola non manca; c’è un puntiglio persino eccessivo nella ricostruzione d’epoca […] ma i momenti autentici esistono e il duo Abatantuono-Castellitto è ammirevole per misura e intensità» (Morandini).

ore 21.00
L’ora di religione (2002)
Regia: Marco Bellocchio; soggetto e sceneggiatura: M. Bellocchio; fotografia: Pasquale Mari; scenografia: Marco Dentici; costumi: Sergio Ballo; musica: Riccardo Giagni; montaggio: Francesca Calvelli; interpreti: Jacqueline Lustig, Chiara Conti, Gigio Alberti, Alberto Mondini, Gianfelice Imparato, Gianni Schicchi Gabrieli; origine: Italia; produzione: Filmalbatros, Rai Cinema; durata: 105’
Ernesto è un affermato pittore, illustratore di favole per bambini, separato dalla moglie Irene, padre del piccolo Leonardo, al quale è profondamente legato. Apprende da un misterioso Don Pugni, segretario dell’altrettanto enigmatico Cardinal Piumini, che vogliono fare santa sua madre. Ernesto resta colpito dalla notizia, non solo perché si rende conto di essere stato tenuto all’oscuro di tutto dalla sua famiglia, ma anche perché la vicenda contrasta con il suo mondo di artista e di uomo libero e ateo. Le pressioni e le iniziative affinché partecipi al processo di beatificazione si accentuano. I conflitti esplodono. Il ricordo della madre apre una vertigine che lo spinge a rielaborare il passato e a vivere diversamente il presente. «È un film decisivo, importante sia per me che per Bellocchio. […] Ernesto Picciafuoco, il personaggio che interpreto nel film di Bellocchio, è come Marco, un uomo con una spiritualità inquieta, che nega attraverso un ateismo troppo insistito per essere vero, e che realizza un cinema profondamente religioso. In questo, seppur in maniera rigorosa, è un cinema che rasenta il melodramma» (Castellitto). 

sabato 16
ore 17.00
Caterina va in città (2003)
Regia: Paolo Virzì; soggetto: P. Virzì, F. Bruni; sceneggiatura: P. Virzì, F. Bruni; fotografia: Arnaldo Catinari; scenografia: Tonino Zera; costumi: Bettina Pontiggia; musica: Carlo Virzì; montaggio: Cecilia Zanuso; interpreti: S. Castellitto, Margherita Buy, Alice Teghil, Claudio Amendola, Antonio Carnevale, Paola Cruciani; origine: Italia; produzione: Rai Cinema, Cattleya, Sky; durata: 107’
Giancarlo Iacovoni, insegnante di ragioneria, si trasferisce con la sua famiglia dalla provincia laziale alla capitale, animato da sogni di riscossa per seppellire un decennio segnato da umiliazioni e sconfitte. Temuto dai parenti, sempre in soggezione di fronte alla sua presunta superiorità e adorato dalla moglie Agata, donna semplice, provinciale e, ingenua, Giancarlo punta le sue carte su Caterina, figlia tredicenne, timida e appassionata di canto polifonico. La ragazzina deve districarsi tra le amiche della classe, di più nobile provenienza, fino ad attirare l’attenzione e diventare il principale oggetto di contesa tra le rivali Margherita e Daniela. Nel corso dell’anno scolastico si compie il percorso di scoperta, da parte di Caterina, di una certa umanità metropolitana e quello di disillusione di Giancarlo. «Caterina va in città conferma che il cinema italiano attraversa un momento bellissimo, forte d’ispirati miniaturisti della recitazione come Sergio Castellitto e Margherita Buy; o come il sorprendente Claudio Amendola, che per mettere allo spiedo il suo uomo politico deve essere preparato su Porta a porta» (Kezich).

ore 19.00
Non ti muovere (2004)
Regia: Sergio Castellitto; soggetto: dal romanzo omonimo di Margaret Mazzantini; sceneggiatura: S. Castellitto, M. Mazzantini; interpreti: S. Castellitto, Penelope Cruz, Claudia Gerini, Angela Finocchiaro, Marco Giallini, Pietro De Silva; fotografia: Gianfilippo Corticelli; scenografia: Francesco Frigeri; costumi: Isabella Rizza; musica: Lucio Godoy; montaggio: Patrizio Marone; origine: Italia/Spagna/Gran Bretagna; produzione: Cineritmo, Medusa Film, Cattleya, Alquimia Cinema S.A., The Producers Films Ltd, Telecinco; durata: 122’
In una giornata piovosa una ragazza di quindici anni frena, scivola e cade dal motorino: non ha rispettato lo stop. Una corsa in ambulanza verso l’ospedale. Lo stesso in cui il padre lavora come chirurgo. Mentre un collega opera sua figlia, Timoteo rimane in attesa. Nel terrore dell’evento estremo, racconta, gettando la sua maschera di fermezza e cinismo, di padre e marito modello, la sua vicenda con Italia, una ragazza che viveva in miseria. Nella speranza di poter barattare le parole con il silenzio del coma, la morte con la vita, rivela, in un immaginario dialogo con la figlia, un segreto doloroso: un amore extraconiugale potente e viscerale. Ed ecco apparire un’estate arroventata di tanti anni prima, una squallida periferia urbana, una donna capace di amare. «Non mi sono scelto subito come attore, all’inizio non pensavo di prendermi, perché pensavo che quel personaggio, quel Timoteo, dovesse avere le sembianze di un attore che avesse un’antipatia, una freddezza, che non mi riconoscevo. Avevo pensato a John Malkovich, attore che considero immenso perché ha qualcosa di feroce, di disperato e di dolcissimo, come certi killer possono avere. Poi mi sono detto: “Ma ne vale la pena? Un personaggio così bello lo vado a dare a Jonh Malkovich? Lo faccio io!”» (Castellitto).

ore 21.15
La stella che non c’è (2006)
Regia: Gianni Amelio; soggetto: G. Amelio, Umberto Contarello, dal romanzo La dismissione di Ermanno Rea; sceneggiatura: G. Amelio, U. Contarello; fotografia: Luca Bigazzi; scenografia: Attilio Viti; costumi: Cristina Francioni; montaggio: Simona Paggi; musica: Franco Piersanti; interpreti: Sergio Castellitto, Tai Ling, Angelo Costabile, Hiu Sun Ha, Catherine Snq, Enrico Vanigiani; origine: Italia, Svizzera, Francia, Singapore; produzione: Cattleya, Achab Film, Rai Cinema, Babe Films, Carac Film, Berne, RTSI - Radio Televisione Svizzera Italiana; durata: 104’
Una delegazione cinese arriva in Italia per rilevare il grande impianto di un’acciaieria in disarmo. Vincenzo Buonavolontà, manutentore specializzato, è convinto che l’altoforno in vendita non sia in buone condizioni e ostinatamente tenta trovare i problemi, perché non succedano, come già in passato, incidenti gravi agli operai. Vincenzo scopre il danno dell’impianto quando i cinesi sono già ripartiti con il carico. Vola a Shanghai per consegnare la centralina modificata che permetterà all’altoforno di funzionare perfettamente. Scoprirà che l’azienda cinese lo ha già rivenduto ad altri e nessuno sa o vuole dire dove sia finito l’altoforno. Inizia così l’odissea di Buonavolontà in una Cina che non somiglia affatto all’immagine che ne aveva da lontano. Accompagnato da Liu Hua, una ragazza poco più che ventenne, studentessa di italiano e guida volenterosa quanto inesperta, Vincenzo percorre in lungo e in largo il grande Paese alla ricerca dell’impianto. «Credo che sia l’ultimo grande film sull’archeologia industriale, psicologica e dove l’oggetto-fabbrica è quasi un’installazione artistica. 	Quella specie di ruggine, di mostruosità. […] Devo molto a Gianni Amelio, nel senso che lui m’ha consentito di fare un viaggio, appunto, non in un paese, ma su un pianeta! Per me è stato come andare sulla Luna e poi tornare sulla Terra!» (Castellitto).

domenica 17
ore 17.00
Questione di punti di vista (2009) 
Regia: Jacques Rivette; soggetto e sceneggiatura: J. Rivette, S. Castellitto, P. Bonitzer, C. Laurent, S. Amitay; interpreti: Jane Birkin, S. Castellitto, André Marcon, Jacques Bonnaffé, Julie-Marie Parmentier, Hélène de Vallombreuse; fotografia: Irina Lubtchansky; scenografia: Manu De Chauvigny, Giuseppe Pirrotta; costumi: Laurence Struz; musica: Pierre Allio; montaggio: Nicole Lubtchansky; origine: Francia/Italia; produzione: Pierre Grise Productions, France 2 Cinéma, Canal +, France 2, Centre National de la Cinématographie, Cinemaundici, Alien Produzioni, Rai Cinema; durata: 86’
Il giorno prima dell’inizio della tournée estiva, il proprietario e fondatore di un piccolo circo scompare tragicamente. Per tentare di salvare la stagione, i membri della compagnia decidono di rivolgersi alla figlia maggiore, Kate. Anche se ha lasciato il circo da una quindicina d’anni, Kate accetta di unirsi a loro. Il caso vuole che sulla sua strada incontri un italiano, Vittorio, che, intrigato dalla personalità di Kate e appassionatosi alla vita del circo, decide di seguirli per un periodo. Poco a poco si inserirà nella vita della compagnia, fino a fare il grande passo ed entrare nello spettacolo. «Capisco che quel film può essere incomprensibile […]; però quel film dovrebbe essere studiato, perché quel film è un nocciolo nucleare di un cinema. Ci sono due, tre immagini che per me, per la mia storia, per la mia carriera valgono quanto la lacrima di Rutger Hauer alla fine di Blade Runner» (Castellitto).

ore 19.00
Alza la testa (2009)
Regia: Alessandra Angelini; soggetto: A. Angelini, Angelo Carbone; sceneggiatura: A. Angelini, A. Carbone, Francesca Marciano; fotografia: Arnaldo Catinari; scenografia: Alessandro Marrazzo; costumi: Daniela Ciancio; musica: Luca Tozzi; montaggio: Massimo Fiocchi; interpreti: S. Castellitto, Gabriele Campanelli, Anita Kravos, Giorgio Colangeli, Laura Maria Ilie, Duccio Camerini; origine: Italia; produzione: Bianca Film, Rai Cinema, Alien Produzioni; durata: 91’
Mero, operaio specializzato in un cantiere nautico, è un padre single. Lorenzo, il figlio nato da una relazione con una ragazza albanese, è la sua unica ragione di vita e il sogno dell’uomo è che il ragazzo diventi un campione di boxe, riscattando così la sua anonima carriera da dilettante. Per questo lo allena duramente, insegnandogli giorno dopo giorno a tirar pugni e a proteggersi dai colpi bassi della vita. L’equilibrio di questo rapporto è sconvolto dal ritorno di Denisa, la madre di Lorenzo, e dall’incontro tra il figlio e la giovane Ana. «Sono molto legato a quel film, sono molto legato a quell’uomo e all’incontro con Alessandro Angelini, perché abbiamo lavorato così bene insieme. Alessandro è uno molto consapevole di quello che vuole fare ma anche felicissimo di poter collaborare, cioè non ha mai storto il naso su nessuna proposta» (Castellitto).

ore 21.00
La bellezza del somaro (2010)
Regia: Sergio Castellitto; soggetto e sceneggiatura: M. Mazzantini; fotografia: Gianfilippo Corticelli; scenografia: Francesco Frigeri; costumi: Chiara Ferrantini; musica: Arturo Annecchino; montaggio: Francesca Calvelli; interpreti: S. Castellitto, Laura Morante, Enzo Jannacci, Marco Giallini, Barbora Bobuleva, Gianfelice Imparato, Nina Torresi; origine: Italia; produzione: Cinemaundici, Alien Produzioni; durata: 107’
Un casale, una famiglia moderna, un gruppo di amici di famiglia,una nonna, una cameriera straniera, uno spaccato della nostra società, un micro mondo. Genitori e figli che si scoprono e riscoprono sotto un’inaspettata provocazione di una figlia minorenne ancora per poche settimane. «Il desiderio di ricchezza e questa paura della povertà è un bell’argomento da trattare. Mi andava, sì, di pisciare sulle scarpe di qualcuno e di essere irriverente nei confronti di questa borghesia politically correct. Alla quale tutti apparteniamo, alla fine. Ci siamo divertiti come matti a scriverla e a recitarla! […] Il film ha avuto la sua storia, anche i suoi detrattori, come al solito. Questo è il mio destino… se no farei altri film. Mi complico la vita. Ho provato a fare una commedia e non un film comico. Penso ci sia una grande differenza» (Castellitto).
Per gentile concessione di Cinemaundici e Alien Produzioni - Ingresso gratuito

lunedì 18
chiuso

19-24 giugno
Fantaitaly - Note fantastiche - XXXII Fantafestival
«Il cinema fantastico è da sempre caratterizzato non solo dalle storie e dagli effetti speciali, ma anche dalle colonne sonore originali scritte da tutti i musicisti italiani e stranieri. Basti pensare a John Williams che con la premiata ditta Spielberg-Lucas ha scritto le colonne sonore di film come Lo squalo, Guerre stellari, ET; a Jerry Goldsmith per Star Trek; Vangelis per Blade Runner; Giorgio Moroder per Metropolis.
Quest’anno, in occasione della XXXII edizione del Fantafestival, abbiamo messo in cartellone una ricca retrospettiva dal titolo Fantaitaly - Note fantastiche, realizzata con la Cineteca Nazionale, che presenta un panorama dei più grandi compositori italiani e la loro produzione specificatamente legata al cinema fantastico italiano. Partendo da autori “storici” come Giorgio Moroder, Renzo Rossellini e Nino Rota, sono inclusi nella selezione nomi come: Riz Ortolani, Pino Donaggio, Roman Vlad, Ennio Morricone, Nicola Piovani, Stelvio Cipriani, Claudio Simonetti, ecc., vere e proprie icone che hanno fatto la storia del cinema e della musica. I titoli scelti, a parte qualche grande classico, sono film meno visti come Reazione a catena di Mario Bava, La macchina ammazzacattivi di Roberto Rossellini, Follia omicida di Riccardo Freda, che riteniamo possano essere scoperti soprattutto dal pubblico dei più giovani appassionati del genere. Ci auguriamo che questo interessante viaggio nel cinema fantastico, sulle note dei grandi Maestri italiani, possa intrigare il nostro pubblico che da sempre segue il Fantafestival con grande interesse e passione» (Adriano Pintaldi & Alberto Ravaioli, Direttori del Fantafestival).
Rassegna a ingresso gratuito

martedì 19
ore 17.00
L’etrusco uccide ancora (1971)
Regia: Armando Crispino; soggetto e sceneggiatura: Lucio Battistrada, A. Crispino; fotografia: Erico Menczer; scenografia: Giantito Burchiellaro; costumi: Luca Sabatelli; musica: Riz Ortolani; montaggio: Alberto Gallitti; interpreti: Alex Cord, Samantha Eggar, John Marley, Carlo De Mejo, Nadja Tiller, Enzo Cerusico; origine: Jugoslavia/Italia/Germania Occidentale; produzione: Inex Film, Mondial Te.Fi. - Televisione Film, CCC Filmkunst; durata: 107’
«A Spoleto, durante il Festival dei Due Mondi, una incomprensibile catena di delitti sconvolge la vita di molti dei partecipanti (fra cui la famiglia del direttore d’orchestra Samarakis). Contemporaneamente un archeologo scopre in una tomba a Tarquina un affresco che raffigura l’uccisione di una giovane coppia. E coppie sono anche le vittime del misterioso assassino» (Poppi/Pecorari). «L’etrusco uccide ancora nacque proprio come film di atmosfera arcana e magica suggestione. Se avessi potuto avrei spinto ancora di più il racconto verso tale direzione ma, purtroppo, non me l’hanno consentito. L’idea nacque durante un’occasionale visita alla necropoli di Cerveteri e dalla suggestione che, appunto, provai in quella circostanza, tra quelle tombe, con “presenze” quasi palpabili che aleggiavano tutto intorno. [...] Il film ottenne, primo in Italia, una partecipazione finanziaria della distribuzione americana. Costò 400 milioni di lire e realizzò, solo in Italia, oltre un miliardo di incasso nelle sole prime visioni delle sedici città capozona. E a Roma il prezzo del biglietto era allora di mille lire contro le diecimila attuali...» (Crispino). 
Riz Ortolani ha operato ed opera come autore di canzoni, di colonne sonore, arrangiatore e direttore d’orchestra. Sua la colonna sonora del film Mondo cane di Gualtiero Jacopetti la cui canzone More dei titoli di testa è diventata famosissima in tutto il mondo guadagnando un Grammy Award e la candidatura all’Oscar. Oltre ad aver scritto le musiche per film di Dino Risi, Franco Zeffirelli, Carlo Lizzani tanto per citarne alcuni, è importante la collaborazione con Pupi Avati per cui ha scritto quasi tutte le colonne sonore dei suoi film fino a Il nascondiglio. Nel genere fantastico segnaliamo Danza macabra, La vergine di Norimberga, La morte negli occhi del gatto di Antonio Margheriti.

ore 19.00
L’orribile segreto del dottor Hichcock (1962)
Regia: Robert Hampton [Riccardo Freda]; soggetto e sceneggiatura: Julian Berry [Ernesto Gastaldi]; fotografia: Donald Green [Raffaele Masciocchi]; scenografia: Joseph Goodman; costumi: Linda Starley; musica: Roman Vlad; montaggio: Donna Christie [Ornella Micheli]; interpreti: Barbara Steele, Robert Flemyng, Montgomery Glenn [Silvano Tranquilli], Teresa Fitzgerald [Maria Teresa Vianello], Harriet White, Spencer Williams; origine: Italia; produzione: Panda - Società per l’Industria Cinematografica; durata: 94’
«Londra 1885. Cynthia (Steele), da poco sposata col dottor Hichcock (Flemyng), scopre nella dimora, durante una notte di tempesta, il sarcofago della sua prima moglie, morta dodici anni prima: è vuoto. Grazie a Langman (Glenn, alias Silvano Tranquilli), giovane medico americano che lavora con Hichcock, scopre l’orribile verità. Uno dei migliori esempi di horror italiano, inaugurato dallo stesso Riccardo Freda (alias R. Hampton) con I vampiri (1957). Con pochi mezzi e molto talento, senza ricorso al soprannaturale, Freda affronta la necrofilia, tema raramente trattato dal cinema, puntando sulla suggestione di un’'atmosfera creata con una raffinata composizione delle inquadrature e del colore – lunghe carrellate, scansione ossessiva e labirintica dello spazio, proiezione soggettiva dell'interiorità della protagonista – e accentuata dalle musiche di Roman Vlad. Evidenti omaggi a Hitchcock (Rebecca ma anche Il sospetto)» (Morandini). «Anche per i film dell’orrore non ci ho messo più di dodici giorni. E hanno quarantasei, quarantesette ambienti come minimo, come L’orribile segreto del dottor Hichcock: tutto girato in una villa al centro di Roma, a via Rubens, Monte Parioli. Il cimitero, una clinica e perfino un incendio all’interno e all’esterno della villa. Dicevano che ero impazzito, quando hanno visto il film non volevano crederci…» (Freda). 
Oltre che come grande compositore e pianista, Roman Vlad si è fatto apprezzare come musicologo e conferenziere tenendo corsi e conferenze in tutta Europa. Ha composto le musiche per il grande René Clair e per alcuni nostri Maestri come Mario Soldati, Luciano Emmer, Riccardo Freda, Franco Zeffirelli, Francesco Rosi. Nel cinema fantastico vanno ricordati titoli come I Vampiri, Caltiki il mostro immortale e L’orribile segreto del Dottor Hichcock di Freda.
Copia proveniente da La Farfalla sul Mirino

ore 21.00
A Venezia… un dicembre rosso shocking (Don’t Look Now, 1973)
Regia: Nicolas Roeg; soggetto: tratto dal racconto Non dopo mezzanotte di Daphne Du Maurier; sceneggiatura: Chris Bryant, Allan Scott, Akos Tolnay; fotografia: Luciano Tonti; scenografia: Giobanni Soccol, musica: Pino Donaggio; montaggio: Graeme Clifford, N. Roeg; interpreti: Donald Sutherland, Julie Christie, Hilary Mason, Clelia Matania, Massimo Serato, Renato Scarpa; origine: Gran Bretagna/Italia; produzione: Casey, Eldorado; durata: 112’
«Due coniugi inglesi (Donald Sutherland e Julie Christie) vanno in vacanza a Venezia per riprendersi dopo la morte della figlioletta. Lì, una medium afferma di essere in grado di metterli in contatto con la bambina. Il marito non ci crede (mentre la moglie sì), però si vede sempre più spesso seguito da una piccola figura vestita con un impermeabilino rosso uguale a quello della sua piccola morta. Quando riesce a confrontarsi con chi lo insegue, l’uomo si trova di fronte a una terribile sorpresa. La cosa più interessante di questo film è il modo particolarissimo di raccontare una storia non banale […]. Attento alle suggestioni della memoria e del rimpianto, Roeg mette in scena, da par suo, una delle più inquietanti ricerche del tempo perduto, tra parapsicologia e ossessione. Il tutto in una Venezia limacciosa e oscura nella stupenda fotografia di Anthony Richmond. Il finale può scontentare gli amanti della logica a ogni costo, ma è sorprendente e del tutto in linea con la inquieta visionarietà di Roeg. All’epoca fecero un po’ scandalo le scene d’amore tra Sutherland e la Christie e il film fu un buon successo di pubblico» (Salvagnini). 
Pino Donaggio fa il suo debutto nella musica leggera dalla fine degli anni Cinquanta alla fine dei Settanta come cantautore divenendo ben presto molto famoso grazie a numerosi successi discografici e varie partecipazioni a Sanremo. La sua seconda carriera da metà degli anni Settanta si sdoppia e Donaggio inizia a scrivere colonne sonore per il cinema, il suo esordio nel ’73 con il film A Venezia un dicembre rosso shocking ottiene un successo clamoroso e vince il Premio della stampa inglese per la migliore colonna sonora dell’anno. Seguono importanti collaborazioni con Brian De Palma, Joe Dante, Liliana Cavani, Troisi e Benigni, Dario Argento, Giovanni Veronesi, Sergio Rubini. Tra le sue colonne sonore “fantastiche” spiccano A Venezia un dicembre rosso shocking, Carrie lo sguardo di Satana, Omicidio a luci rosse, La setta, Non ci resta che piangere.

mercoledì 20
ore 17.00
La sindrome di Stendhal (1996)
Regia: Dario Argento; soggetto: D. Argento, Franco Ferrini, ispirato al libro omonimo di Graziella Magherini; sceneggiatura: D. Argento; fotografia: Giuseppe Rotunno; scenografia: Antonello Geleng; costumi: Lia Francesca Morandini; musica: Ennio Morricone; montaggio: Angelo Nicolini; interpreti: Asia Argento, Thomas Kretschmann, Marco Leonardi, Luigi Diberti, Paolo Bonacelli, Julien Lambroschini; origine: Italia; produzione: Cine 2000, Medusa Film; durata: 119’
Una giovane, Anna Manni, mentre visita il museo degli Uffizi a Firenze è colta da inspiegabili allucinazioni alla vista dei quadri esposti e sviene. Dalla borsetta sono scomparsi la pistola e i documenti: un giovane le paga il taxi per l’albergo. Qui, guardano la riproduzione della Ronda di Rembrandt appesa alla parete, Anna “entra” nel quadro e ricorda d’essere un’agente della polizia romana incaricata di seguire le tracce di un maniaco stupratore, divenuto anche omicida, a Firenze. Costui si presenta nella sua stanza e la violenta, dileguandosi dopo averle ucciso davanti agli occhi una vittima. Sotto choc, Anna va da uno psicologo, Cavanna, che le diagnostica la sindrome di Stendhal, una sensibilità morbosa alle opere d’arte.«È bellissima l’intuizione del soggetto, firmato da Dario Argento e Franco Ferrini: una specie di fermentazione diabolica dell’interessante e poco frequentato saggio di Graziella Magherini [...] che esplora in tutte le sue connessioni il quadro clinico della cosiddetta “sindrome di Stendhal”. […] Lo stordimento provocato dall’arte – soprattutto in relazione agli episodi di sofferenza mentale riscontrati nei turisti moderni, così in balia di emozioni precarie ed irregolari – è un geniale pretesto per l’atteso ritorno di Argento, cineasta prestidigitatore di inconsci [...] a lungo snobbato dalla mezzacultura cineclubistica» (Caprara). «I colori della paura. Il rosso e nero. E l’Argento. Ossia: Stendhal (e non solo come “sindrome”) e l’arte, l’arte come vertigine estetica (estatica), la vertigine come provocazione cinematografica, il cinema come manifestazione del turbamento sensuale (e spirituale), l’eros come devianza. La sindrome di Stendhal – un ritorno alla classicità dopo la fase gore – è un’opera auto-riflessiva, minimalista e, in un certo senso, teorica. L’assassino è subito svelato, la suspense azzerata ai minimi termini, la densità d’orrore lungi dall’accumularsi spasmodicamente. [...] Mai come ne La sindrome, Argento riflette sui meccanismi del cinema come arte della rappresentazione» (Fabio Bo). 
Grande icona in Italia e non solo, vincitore dell’Oscar alla carriera, Ennio Morricone è autore eclettico e famoso per aver scritto più di 500 colonne sonore e aver venduto circa 70 milioni di dischi. Ha lavorato con i più grandi registi italiani e stranieri: Sergio Leone, Alberto Lattuada, Mario Bava, Bernardo Bertolucci, Marco Ferreri, Pier Paolo Pasolini, Dario Argento, Marco Bellocchio, Giuliano Montaldo, Liliana Cavani, Gillo Pontecorvo, Elio Petri, Mauro Bolognini, Alberto Bevilacqua, Paolo e Vittorio Taviani, Franco Zeffirelli, Luigi Zampa, Giuseppe Tornatore, Francesco Rosi, Lina Wertmüller, fino a Brian De Palma, Warren Beatty, Adrian Lyne, Mike Nichols, Barry Levinson, Roland Joffé, Edouard Molinaro, Terence Young, Terence Malick, John Boorman.

ore 19.15
Il profumo della signora in nero (1974)
Regia: Francesco Barilli; soggetto e sceneggiatura: F. Barilli, Massimo D’Avack; fotografia: Mario Masini; scenografia: Franco Velchi; costumi: Piero Cicoletti; musica: Nicola Piovani; montaggio: Enzo Micarelli; interpreti: Mimsy Farmer, Maurizio Bonuglia, Mario Scaccia, Jo Jehkins, Nike Arrighi, Daniela Barnes; origine: Italia; produzione: Euro International Films; durata: 103’
«Silvia Hackerman, una giovane chimica, è traumatizzata dal ricordo di un amplesso della madre con un amante, al quale ha assistito da piccola. La fragile psiche della ragazza, che vive di piccoli riti e di fobie, tracolla nel momento in cui il suo universo viene invaso da una serie di segnali sinistri. Ma è proprio follia, la sua, o esiste davvero un oscuro disegno intorno a Silvia?. [...] Il nostro [Francesco Barilli, n.d.r.] esordì nella non facile arte del lungometraggio proprio con questo Il profumo della signora in nero. Che all’epoca – anno di grazia 1974 – venne accolto con annoiata sufficienza dai critici “togati” [...]. Il profumo della signora in nero è senza dubbio diretto da un regista degno di questo nome: e senza dubbio da un “autore”, nonostante Barilli ci abbia donato, per il cinema solo un altro lungometraggio e mezzo. A dimostrazione, del suo solido mestiere basterebbe prendere in considerazione l’accorta direzione degli attori [...] e soprattutto il sapiente uso delle locations, l’accorta scelta degli ambienti: non è da tutti trasformare il quartiere romano di Coppedè in un asfittico labirinto degli orrori: non tutti sanno illuminare i tendaggi di un salotto piccolo-borghese alla Gozzano per mostrarne le polveri sedimentate e il putridume che si cela sotto alle sottocoppe di peltro e alla bottiglietta del rosolio... Francesco Barilli vi riesce con rara maestria [...], spogliando sempre di più gli interni nei quali si agita la tremula “vittima designata” di Mimsy Farmer, fino all’agghiacciante finale, a quell’osceno rito precipitato tra i chiaroscuri di uno scantinato già preludio di catacomba, eseguito in un gorgogliante e cerimoniale silenzio e ripreso con il lucido distacco dell’esteta» (Andrea Bruni). 
Pianista compositore e direttore d’orchestra, Nicola Piovani è un celebre autore di colonne sonore che ha lavorato con i maggiori registi del grande cinema italiano come Federico Fellini per il quale, alla morte di Nino Rota, scrive le colonne sonore degli ultimo tre film, Marco Bellocchio, Mario Monicelli, Paolo e Vittorio Taviani, Nanni Moretti, Giuseppe Tornatore, Luigi Magni, Sergio Citti. Con Roberto Benigni crea una particolare collaborazione che lo porta a vincere l’Oscar per La vita è bella. Per il genere fantastico, oltre a Roberto Benigni come Pinocchio, sono da ricordare L’invenzione di Morel di Emidio Greco e Il profumo della signora in nero.

ore 21.15
Ecologia del delitto (1971)
Regia: Mario Bava; soggetto: Dardano Sacchetti, Franco Barberi; sceneggiatura: M. Bava, Joseph McLee [Giuseppe Zaccariello], Filippo Ottoni [non accreditati Sergio Canevari, Francesco Vanorio]; fotografia: M. Bava; scenografia: Sergio Canevari; costumi: Enrico Sabbatini; musica: Stelvio Cipriani; montaggio: Carlo Reali; interpreti: Claudine Auger, Luigi Pistilli, Claudio Volonté, Laura Betti, Leopoldo Trieste, Chris Avram; origine: Italia; produzione: Nuova Linea Cinematografica; durata: 85’
Prima versione dello straordinario film di Bava, che reca come titolo Ecologia del delitto, voluto dal produttore Giuseppe Zaccariello, per cavalcare l’onda ecologista, e con la battuta finale «così imparano a fare i cattivi» pronunciata dai bambini (autentiche stelle del cinema italiano anni Settanta) Nicoletta Elmi e Renato Cestiè, al suo esordio. Il titolo fu poi cambiato con Reazione a catena (Ecologia del delitto) e la battuta ammorbidita, cambiando il senso del finale del film. Tredici delitti in una baia, sulla quale grava l’ombra di una speculazione edilizia in atto, contro la quale la natura (o chi per lei) mette in atto le sue forme di autodifesa: un congegno narrativo perfetto in un film di forte impatto visivo in cui Bava gioca con gli elementi naturali e con la luce, suggestionando lo sguardo dello spettatore. Film imitatissimo in America (Venerdì 13 su tutti), circondato da un culto del tutto meritato, grazie, oltre che al plot, alla mano ispirata di Bava (specie nelle sequenze dei delitti, costruite con una cura, per una volta, argentiana), a un cast notevole in cui ogni attore regala un’interpretazione indimenticabile (splendido cameo di Isa Miranda nella parte dell’anziana contessa). «Non saprei raccontare la trama, ma è uno di quei film che meno li capisci e meglio è. Mi piace soprattutto un’inquadratura venuta fuori quasi per caso. Prima l’immagine è sfocata, si ha l’impressione di vedere qualcosa che sembra il sole. E invece no, si tratta di un occhio, un occhio immenso che occupa l’intero schermo» (Bava). Giuseppe Zaccariello, produttore improvvisato ma geniale, reduce dai fasti di A ciascuno il suo di Petri ed Escalation di Faenza, aveva pretese autoriali e firmò la sceneggiatura sotto pseudonimo.
La colonna sonora di Stelvio Cipriani più famosa è quella scritta per il film Anonimo Veneziano che diviene un successo musicale in tutto il mondo. Grande pianista e arrangiatore, dopo aver cominciato la sua carriera come accompagnatore di cantanti di musica leggera, inizia a comporre per il cinema e diviene ben presto uno dei compositori più richiesti nel campo delle colonne sonore per il cinema. Per il genere fantastico ha lavorato con grandi maestri del genere come Riccardo Freda e Mario Bava.

giovedì 21
ore 17.00
L’iguana dalla lingua di fuoco (1971)
Regia: Willy Pareto [Riccardo Freda]; soggetto: dal romanzo A Room Without Door di Richard Mann; sceneggiatura: W. Pareto, Alessandro Continenza; collaborazione alla sceneggiatura: Gunther Ebert; dialoghi: André Tranché; fotografia: Silvano Ippoliti; scenografia: Giuseppe Chevalier; costumi: Nadia Vitali; musica: Stelvio Cipriani; montaggio: R. Freda; interpreti: Luigi Pistilli, Dagmar Lassander, Valentina Cortese, Anton Diffring, Arthur O’ Sullivan, Werner Pochat; origine: Italia; produzione: Oceania Produzioni Internazionali Cinematografiche, Films Corona, Terra Filmkunst; durata: 90’
A Dublino, la polizia è in allarme per una serie di misteriosi quanto feroci delitti. L’ispettore Lawrence, impossibilitato a seguire una pista che conduca all’interno di un’ambasciata – protetta, come tale dall'immunità diplomatica – decide di ricorrere alla collaborazione di John Norton, ex ispettore di polizia radiato dai ranghi per un episodio di violenza ai danni di un pregiudicato. Messosi immediatamente in azione, Norton riesce ad allacciare una relazione con Helen, figliastra dell’ambasciatore Sobiesky, cosa che gli consente di indagare da vicino sulla vita del diplomatico, dei suoi familiari e delle persone che frequenta. «Ce n’è abbastanza, quindi, per soddisfare il gusto degli appassionati del “terrificante” con la particolarità, nel caso specifico, di una regia che si rivela abbastanza abile nel prospettare il succedersi degli eventi e, soprattutto, nell’evidenziare gli aspetti più allucinanti e macabri della storia» (Vice, «Il Messaggero»).

ore 19.00
Profondo rosso (1975)
Regia: Dario Argento; soggetto e sceneggiatura: D. Argento, Bernardino Zapponi; fotografia: Luigi Kuveiller; scenografia: Giuseppe Bassan; costumi: Elena Mannini; musica: Giorgio Gaslini, Goblin; montaggio: Franco Fraticelli; interpreti: David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Clara Calamai, Glauco Mauri, Eros Pagni; origine: Italia; produzione: Seda Spettacoli, Rizzoli Film; durata: 130’
«Se l’estrema ambizione di Dario Argento è di restituire ai reduci dai suoi spettacoli il gaudio di sobbalzare a ogni scricchiolio, di guardare sotto il letto e raddoppiare la dose di tranquillante, il “terrorista” del cinema italiano può dirsi contento. Era infatti un bel po’ che un film non prendeva altrettanto allo stomaco e popolava i nostri sonni di incubi così barbari. Perché Profondo rosso è malfermo e tutto epidermico, ma al traguardo della paura va molto vicino: la ragione scalpita, e indispettisce sentirsi coinvolti in un cervellotico congegno, e tuttavia il cuore batte più svelto. Mamma mia, che impressione. Il fattaccio comincia a una seduta di parapsicologia, dove una signora “sente” i pensieri cattivi di un criminale. La poverina ha tanta ragione che dopo poco sente anche spaccarsi la testa da un’accetta. Chi sarà mai l’assassino? Mentre la polizia si gingilla, Marcus, un pianista inglese di jazz che lo ha intravisto, ma non è in grado di riconoscerlo, si intestardisce a scoprirlo, insieme con una giornalista in cerca del solito colpo, tal Gianna. È ovviamente un cacciarsi nei guai» (Grazzini). Effetti speciali di Carlo Rambaldi. 
Compositore e musicista italiano, figlio di Enrico Simonetti, conosciuto per aver composto colonne sonore di film italiani e stranieri, Claudio Simonetti crea con Dario Argento un sodalizio creando le musiche per film come: Profondo rosso, Suspiria, Phoenomena, Opera, Il cartaio, fino all’ultimo film Dracula in 3D presentato al Festival di Cannes. Profondo rosso del ’75 vende oltre 3 milioni di copie in tutto il mondo. Oltre alla colonna sonora di Dracula in 3D, ha composto il brano Kiss me Dracula eseguito con il suo gruppo Simonetti Project e cantato da Silvia Specchio.

ore 21.30
Sette note in nero (1977)
Regia: Lucio Fulci; soggetto e sceneggiatura: L. Fulci, Roberto Gianviti, Dardano Sacchetti; fotografia: Sergio Salvati; scenografia: Luciano Spadoni; costumi: Massimo Lentini; musica: Franco Bixio, Fabio Frizzi, Vince Tempera; montaggio: Ornella Micheli; interpreti: Jennifer O’Neill, Gianni Garko, Gabriele Ferzetti, Marc Porel, Evelyn Stewart, Luigi Diberti; origine: Italia; produzione: Cinecompany, Rizzoli Film; durata: 89’
A Firenze, da bambina, Virginia ha una premonizione: vede la madre suicidarsi, sfracellandosi tra le rocce nello stesso momento in cui il fatto sta realmente accadendo. Da adulta, nonostante che sia felicemente sposata, Virginia è tormentata da terribili visoni di morte. «Sette note in nero è, [...], forse il meno sanguinoso tra i film di Fulci. [...]. Gli interessa più la suspense che non il “gore” e i colpi a sensazione sono dati dagli imprevisti risvolti che via via assume la vicenda piuttosto che non dai pugni allo stomaco inferti allo spettatore. Così il film assume un’aria compatta, quasi metafisica, dà l’impressione di qualcosa di terribile che sovrasta i personaggi e li avvolge in una spirale senza ritorno. [...]. Il film di Fulci, inoltre, rispetto agli horror, ma anche agli altri thriller antecedenti, è più freddo, glaciale, meno passionale. Ma anche questa è una scelta di stile, voluta perché si intonasse perfettamente all’atmosfera che il film deve avere: quella di attesa di un qualcosa di tremendo che deve per forza realizzarsi, perché già scritto nel destino» (Bruschini-Tentori). 
Compositore, attore e autore di colonne sonore per il cinema italiano, fratello del presentatore televisivo Fabrizio Frizzi, Fabio è stato uno dei collaboratori storici di Lucio Fulci e per lui ha composto le colonne sonore di film “cult” come Zombi 2, Paura nella città dei morti viventi, …E tu vivrai nel terrore! L’aldilà. Tra le sue colonne famose per generi diversi al fantastico vanno ricordati Febbre da cavallo di Steno e Il secondo tragico Fantozzi di Salce.

venerdì 22
ore 17.00
La macchina ammazzacattivi (1948) 
Regia: Roberto  Rossellini; soggetto: Eduardo De Filippo, Fabrizio  Sarazari; sceneggiatura: Sergio Amidei, Franco  Brusati, Liana  Ferri, R. Rossellini, Giancarlo  Vigorelli; fotografia: Tino Santoni; scenografia: Virgilio Marchi; musica: Renzo  Rossellini; montaggio: Luigi  Rovere; interpreti: Giovanni Amato, Clara Bindi, Marilyn Buferd, Camillo Buonanni, Pietro Carloni, John Falletta; origine: Italia; produzione: Universalia; durata: 80’
«Celestino riceve in dono dal Santo protettore del paese un apparecchio fotografico fatato che consente, riprendendone l’immagine, di far letteralmente “sparire” dalla circolazione tutti i “cattivi”. Inizialmente certo della propria buona fede e del proprio buon diritto a ripulire il piccolo mondo della sua quotidianità, il personaggio si ritrova progressivamente divorato dai dubbi fino a scoprire che la “macchina ammazzacattivi” è in realtà uno strumento diabolico messogli in mano da Satana in persona camuffato da santo protettore. Con la consueta immediatezza di un cinema capace di “mostrare” ancor prima che di “dimostrare”, Roberto Rossellini mette in evidenza i rischi (cui molti all’epoca indulgevano) della compilazione di liste ideologiche di “buoni” e di “cattivi”. Per Rossellini infatti – e la sua resta forse una delle più nette condanne del “terrorismo” – si rivela impossibile trasferire nel sociale una spinta etica individuale se questa non viene “condivisa”, perché senza questa morale “dialogata” la delega all’azione che il singolo si attribuisce è condannata allo scacco dal proprio stesso orgoglio. Anche se il film non fa alcun riferimento esplicito al terrorismo, ne ritroviamo dunque delineate alcune delle “figure” centrali, come la dialettica tra “azione e pentimento”, il mito dell’azione definitiva, il narcisismo dell’assunzione di responsabilità globale, il pentimento come lavacro purificatore, la confessione ed, eventualmente, il tradimento» (Toffetti).  
Renzo Rossellini, compositore e critico musicale italiano, è attivo tra gli anni Trenta e gli anni Settanta. Autore di numerose musiche per il cinema, fratello del regista Roberto Rossellini per il quale scrive film culto come Roma città aperta, Germania anno zero, Europa ’51, ma anche Vittorio De Sica con Teresa venerdì, Un garibaldino in convento, I bambini ci guardano. Per il cinema fantastico va ricordato Io, Caligola.

ore 18.45
Giulietta degli spiriti (1964)
Regia Federico Fellini; soggetto: F. Fellini, Tullio Pinelli da un’idea di F. Fellini; sceneggiatura: F. Fellini, T. Pinelli, Ennio Flaiano, Brunello Rondi; fotografia: Gianni Di Venanzo; scenografia e costumi: Piero Gherardi; musica: Nino Rota, diretta da Carlo Savina; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Giulietta Masina, Sandra Milo, Mario Pisu, Sylva Koscina, Valentina Cortese, José Luis De Villalonga; origine: Italia; produzione: Rizzoli Film, Francoriz; durata: 145’
Giulietta e Giorgio festeggiano l’anniversario di matrimonio con i loro amici, benché il loro legame non sia più saldo come in passato. Mentre Giorgio, asserragliato dietro una cortesia distratta, culla l’illusione di un nuovo amore, Giulietta vede dolorosamente il suo universo crollare. In piena crisi, Giulietta cerca una via di scampo partecipando a sedute spiritiche o nel conforto di un veggente indiano. Consigliata da sua madre, assume un investigatore privato perché segua Giorgio e le fornisca le prove del suo tradimento. «Con Giulietta degli Spiriti, grazie a un colore che accentua la ricerca simbolica e antinaturalistica, Fellini non pone più alcun freno ai suoi istinti immaginativi. Tra tutti i viaggi nella memoria effettuati nel corso della sua attività questo è l’unico che cerca di esplorare il mondo della controparte femminile vedendolo animato e coabitato da una folla di presenze uscite direttamente dall’iconografia della religione cattolica e da figure di sacerdotesse del sesso, che invitano alla liberazione del corpo e alla trasgressione dei comandamenti e dei tabù. Giulietta degli spiriti mette in scena riti e comportamenti in via di sparizione, quasi frammenti residuali di civiltà che stanno scomparendo, stabilisce un ulteriore punto d’orientamento per l’opera del regista» (Brunetta). 
Grande compositore di colonne sonore, vincitore di prestigiosi premi come il Golden Globe e un Oscar, Nino Rota è l’ autore prediletto da Federico Fellini con cui ha una lunga collaborazione che lo ha portato a scrivere musiche entrate nella storia del cinema. Ha lavorato anche con i più grandi maestri del cinema italiano, come Alberto Lattuada, Mario Monicelli, Edoardo De Filippo, Franco Zeffirelli, Elio Petri, Luchino Visconti, Mario Soldati, Luciano Emmer e anche con registi stranieri come Francis Ford Coppola per Il padrino, King Vidor per Guerra e pace, Sergei Bondarchuk per Waterloo. 

ore 21.30
Metropolis (1926)
Regia: Fritz Lang; soggetto e sceneggiatura: Thea Von Harbou, F. Lang; fotografia: Karl Freund, Günther Rittau; scenografia: Otto Hunte, Karl Vollbrecht, Erich Kettelhut; costumi: Aenne Willkomm; musica: Giorgio Moroder; interpreti: Brigitte Helm, Alfred Abel, Gustave Frölhich, Rudolph Klein-Rogge, Heinrich Georg, Fritz Rasp, Theodor Loos; origine: Germania; produzione: UFA, durata: 83’
Metropolis è una città del futuro dominata da Fredersen ed è divisa in settori: in alto la classe dirigente, in basso gli operai ridotti in stato di semischiavitù. Gli operai hanno come leader una giovane e bella ragazza, Maria, di cui si innamora Freder, figlio del dittatore. Per rompere l’unità degli operai, Fredersen fa costruire al mago Rotwang un robot, sosia di Maria, perché semini discordia, ma questo incita invece gli operai alla rivolta e alla distruzione. Toccherà alla vera Maria e a Freder riconciliare le parti, ponendo le basi per un nuovo ordine sociale garantito dalla religione cristiana. L’immaginario di Metropolis fonde suggestioni diverse, legate alla tradizione culturale cristiana e alla scienza, all’alchimia e alla storia della mitologia, elaborando scene e fantasmi di chiaro impianto psicanalitico, in cui il demoniaco e il peccato si intrecciano con il modello edipico e l’ossessione della madre perduta. Inoltre Lang realizza «una sinfonia visiva complessa e raffinata attraverso la combinazione di differenti procedimenti linguistici, valorizzando tutte le potenzialità della messa in scena, e articolando la produzione di effetti monumentali e la ricerca sperimentale e visiva più avanzata» (Bertetto). Si presenta in questa occasione la versione colorata e musicata in chiave rock del celebre film di Fritz Lang. «Nel 1984 il musicista Giorgio Moroder ha confezionato una nuova versione di Metropolis di 87’, virata in vari colori e accompagnata da una colonna sonora rock con canzoni, tra gli altri, di Freddy Mercury e Pat Benatar, che tenta di ricostruire l’impatto spettacolare che il film ebbe sugli spettatori dell’epoca» (Mereghetti). 
Totalmente autodidatta, Giorgio Moroder ha avuto una particolare influenza sulla disco music e la musica elettronica nascente per l’utilizzo, allora innovativo, di sintetizzatori. Ha lavorato con i più grandi nomi internazionali della musica leggera come Barbra Streisand, David Bowie, Freddy Mercury, Cher ed i nostri Gianna Nannini, Edoardo Bennato e Adriano Celentano. Per il cinema fantastico ha firmato titoli come La storia infinita e il leggendario Metropolis di Fritz Lang.
Versione a colori con musica di Giorgio Moroder

sabato 23
ore 17.00
Space Men (1960)
Regia: Anthony Daisies [Antonio Margheriti]; soggetto e sceneggiatura: Vassilji Petrov [Ennio De Concini]; fotografia: Marcello Masciocchi; musica: J.K. Broady [Lelio Luttazzi]; montaggio: Sir Andrews [Mario Serandrei]; interpreti: Rik Van Nutter, Gaby [Gabriella] Farinon, David Montresor, Archie Savage, Alain Dijon, Frank [Franco] Fantasia; origine: Italia; produzione: Ultra Film; durata: 87’
Ray Petersen, giornalista, viene inviato sull’astronave BZ 88 per svolgere un’inchiesta, ma non riesce a spiegarsi l’ostilità del comandante George. Infine questi si decide a rivelargli il segreto: un pericolo mortale minaccia la Terra, perché Alfa-2, la prima astronave fotonica interstellare, sta rientrando nel sistema solare circondata da un micidiale campo d’energia. «Il primo film di Margheriti è ben più che una semplice space opera, benché si svolga nello spazio interplanetario e a bordo di astronavi e stazioni orbitanti. È piuttosto uno sguardo verosimile e amaro sul futuro che attende la nostra razza nel cosmo, il cui tema è svolto drammaticamente e senza cedimenti. Alcune idee del film sono particolarmente belle, come il commento fuori campo che dà l’impressione di assistere a un reportage dal futuro, e il cui valore di monito non è mai fastidioso, ma serve a risolvere l’equilibrio tra anticipazione tecnologica e senza umanitario. Gli effetti speciali sono eccellenti, tenuto conto del budget ridotto; non si esagera dicendo che è forse il miglior film di fantascienza prodotto in Italia, con Terrore nello spazio di Bava» (Giuseppe Lippi). 
Musicista, showman e presentatore televisivo, Lelio Luttazzi è stato direttore d’orchestra della Rai, ha scritto canzoni di successo per Mina, Jula De Palma, il suo brano Souvenir d’Italie divenne un grande successo dell’epoca. Per il cinema firma alcune colonne sonore di film di registi come Bruno Corbucci, Dino Risi, Mario Mattoli. 

ore 18.45
Murder Obsession - Follia omicida (1980)
Regia: Robert Hampton [Riccardo Freda]; soggetto: Antonio Cesare Corti, Fabio Piccioni; sceneggiatura: A. C. Corti, F. Piccioni, R. Freda; fotografia: Cristiano Pogany; scenografia: Giorgio Desideri; musica: Franco Mannino; montaggio: Giorgio Desideri; interpreti: Stefano Patrizi, Martine Brochard, Silvia Dionisio, Laura Gemser, John Richardson, Anita Strindberg; origine: Italia/Francia; produzione: Dionysio Cinematografica, Nouvelle Cinevog; durata: 100’
Un attore, accompagnato dalla sua fidanzata, torna a casa, dopo anni, per rivedere la madre. Qualche giorno dopo viene raggiunto da un regista, un aiuto regista e un’attrice, i quali stanno cercando locations per un film. I visitatori sono eliminati ad uno ad uno… «La pietà michelangiolesca su cui si chiude Murder Obsession è una composizione infernale: nell’armonia rinascimentale, come sempre cara al Freda pittore e scultore, e nell’immagine più rassicurante, la madre con il figlio, come nella bellezza delle sue interpreti, prosperano le mostruosità terrene» (Pistagnesi). 
Franco Mannino, dopo una breve parentesi nel campo della musica leggera con brani scritti insieme a Gorni Kramer, si cimenta in colonne sonore per Luchino Visconti con Ludwig, Bellissima, Gruppo di famiglia in un interno e Morte a Venezia, oltre ad altri successi firmati per John Huston e Mario Soldati. Per il cinema fantastico va ricordato I vampiri di Riccardo Freda.

ore 20.30
La montagna del dio cannibale (1978)
Regia: Sergio Martino; soggetto e sceneggiatura: Cesare Frugoni, S. Martino; fotografia: Giancarlo Ferrando; scenografia e costumi: Antonello Geleng; musica: Guido e Maurizio De Angelis; montaggio: Eugenio Alabiso; interpreti: Claudio Cassinelli, Ursula Andress, Antonio Marsina, Stacy Keach, Franco Fantasia, Lanfranco Spinola; origine: Italia; produzione: Dania Film, Medusa Distribuzione; durata: 99’
Susan Stevenson, insieme al fratello Arthur, giunge in Nuova Guinea per organizzare una spedizione alla ricerca del marito, un famoso antropologo scomparso durante una spedizione. Nessuno sa con precisione gli scopi e soprattutto la zona in cui si doveva muovere. Stevenson si era spinto fino ai piedi della montagna degli spiriti, considerata dagli indigeni “Tabù”, proibita. Accompagnati dal Dr. Foster, buon amico dello scienziato, Susan ed Arthur, attraverso la giungla arrivano fino alla montagna. Dopo varie avventure e incontri scoprono che Stevenson, ormai cadavere, è venerato come un Dio dagli indigeni cannibali, i quali hanno scambiato il contatore geiger per il suo cuore, eterno e inarrestabile. «Ben confezionato, anche se con risvolti fumettistici, il racconto di Sergio Martino offre equamente ampio spazio sia al lato avventuroso-documentaristico sia a quello erotico» (Spiga). 
Guido e Maurizio De Angelis, dopo gli inizi come arrangiatori per Lucio Dalla e Gabriella Ferri, danno vita agli Oliver Onions, riscuotendo grande successo con colonne sonore di film (…Continuavano a chiamare Trinità, …Altrimenti ci arrabbiamo! con la celebre canzone Dune Buggy, Keoma) e serie tv (Sandokan, Orzowei). Per il cinema fantastico da ricordare La casa con la scala nel buio e Uno sceriffo extraterrestre… poco extra e molto terrestre.

domenica 24
ore 17.00
Sono un fenomeno paranormale (1985)
Regia: Sergio Corbucci; soggetto e sceneggiatura: Bernardino Zapponi, Giovanni Romoli, S. Corbucci, Alberto Sordi; fotografia: Sergio D’Offizi, scenografia: Marco Dentici; costumi: Maria Luigia Carteny; musica: Piero Piccioni; montaggio: Tatiana Morigi Casini; interpreti: A. Sordi, Elsa Martinelli, Eleonora Brigliadori, Maurizio Micheli, Claudio Gora, Gianni Bonagura; origine: Italia; produzione: C.G. Silver Film; durata: 110’
In uno studio televisivo il professor Roberto Razzi conduce un programma in diretta sui fenomeni paranormali. Razzi non crede a nessuna delle cose di cui parla, per cui ridicolizza tutti i personaggi, santoni, paragnosti e guaritori di ogni genere. Concluso il primo ciclo di trasmissioni Razzi decide di partire per l’India per svelare ai telespettatori i misteri dei fachiri, guru, ecc. Sull’aereo incontra un inquietante vecchietto indiano che lo mette in crisi. Arrivato in India, Roberto smaschera tutti come truffatori, poi ha un secondo incontro con il vecchio indiano, che è il guru Baguwan Babashàn. Il vecchio scompare e Roberto, nel tentativo di raggiungerlo, ha un grave incidente. Lo ritroviamo a Roma in coma irreversibile, da cui poi inspiegabilmente si risveglia; è però perseguitato dai ricordi dell’India, per cui decide di tornarci alla ricerca della verità. Ma un anno dopo... 
Piero Piccioni, autodidatta, comincia a soli tredici anni a comporre canzoni per la casa discografica Carisch e da quel momento inizia una carriera come pianista. Ha lavorato con grandi registi come Luchino Visconti, Vittorio De Sica, Roberto Rossellini, Mario Monicelli, Bernardo Bertolucci, Mauro Bolognini, Alberto Lattuada, Elio Petri, Dino Risi, Lina Wertmuller, Francesco Rosi. Con Alberto Sordi ha creato un lungo sodalizio musicando tutti i film realizzati dal grande attore come regista. Per il cinema fantastico da ricordare Il disco volante di Tinto Brass, La decima vittima di Elio Petri, Io e Caterina di Alberto Sordi e Totò Diabolicus di Steno.

ore 19.00
Il disco volante (1964)
Regia: Tinto Brass; soggetto e sceneggiatura: Rodolfo Sonego; fotografia: Bruno Barcarol; scenografia: Elvio Costanti; musica: Piero Piccioni; montaggio: Tatiana Casini; interpreti: Alberto Sordi, Monica Vitti, Eleonora Rossi Drago, Silvana Mangano, Guido Celano, Alberto Fagliani; origine: Italia; produzione: Dino De Laurentiis Cinematografica; durata: 87’
«[Dino De Laurentiis] mi ha proposto di fare Il disco volante. Io ho accettato ad una sola condizione: che Sordi interpretasse tutti e quattro i personaggi. […] Il film si basava su un’idea che circolava a Roma da tempo. Si chiamava Un marziano a Roma, ed era stata scritta da Ennio Flaiano. Il tema vero era la grettezza della piccola borghesia messa di fronte a un fatto, un fenomeno che non riesce a capire, a comprendere. […] Sordi è un vero talento; la sua bravura fa rimanere sbalorditi. […] Delle volte c’erano sequenze nelle quali era necessario passare da un personaggio all’altro in un breve arco di tempo. Entrava nei camerini e subito dopo il trucco sembrava davvero un’altra persona. Non solo fisicamente, ma negli atteggiamenti, nella psicologia, nei movimenti, nei denti, eccetera. Era davvero impressionante il modo in cui si adattava al nuovo ruolo» (Brass).

ore 20.45
Ladri di saponette (1989)
Regia: Maurizio Nichetti; soggetto: M. Nichetti; sceneggiatura: M. Nichetti, Mauro Monti; fotografia: Mario Battistoni; scenografia: Ada Legori; costumi: Maria Pia Angelini; musica: Manuel De Sica; montaggio: Rita Rossi, Anna Missoni; interpreti: Heidi Komarek, Carlina Torta, Massimo Sacilotto, Claudio G. Fava, Maurizio Nichetti, Lella Costa; produzione: Bambù Cinema e TV, Reteitalia; origine: Italia; durata: 85’
«Il talento, se c’è davvero, prima o poi trova la forza per imporsi. È quanto accade con Ladri di saponette, a conferma delle doti di Nichetti, perfezionate e non tarpate dalla sua recente attività televisiva. La storia, raccontata su tre piani narrativi (un film in bianco e nero, il suo autore che lo presenta in TV, una famiglia che lo guarda a casa) che finiscono per intrecciarsi e sovrapporsi, è divertente e pungente nella sua critica agli spot durante i film. Nella seconda parte le cose si complicano forse un po’ troppo. Bravo a Nichetti, dunque, come interprete e come regista. E una menzione speciale a Claudio G. Fava, delizioso nel fare il verso a se stesso» (Cuciniello). 
Manuel De Sica firma le colonne sonore di alcuni importanti film del padre Vittorio, come Il giardino dei Finzi Contini candidato all’Oscar, Lo chiameremo Andrea, La breve vacanza, Il viaggio, Amanti. Lavora con altri registi italiani come Steno, Camerini, Dino Risi, Carlo Vanzina, Carlo Lizzani. Per il cinema fantastico da ricordare Dellamorte Dellamore di Michele Soavi, A spasso nel tempo e i film di Maurizio Nichetti.